VIVE COMO QUIERAS

El 23 de Agosto de 1938 se estrenaba en Estados Unidos “Vive como quieras” (You can’t take it with you), una deliciosa película que hoy es un clásico, por derecho propio, de la historia del cine.

A través de la Columbia Pictures nos llegaba esta producción de Frank Capra, mágico director que ya nos había regalado otras maravillas como “Sucedió una noche”, “El secreto de vivir” y “Horizontes perdidos”.

MARTIN VANDERHOFF es el abuelo de esta mágica familia. Un ambicioso hombre de negocios que un buen día decide no volver más a su empresa por el sencillo motivo de que no se está divirtiendo nada allí. Comienza entonces a hacer las cosas que más le gustan, como tocar la armónica o coleccionar sellos que, además, le pagan bien por valorar.

Este maravilloso abuelo, sin duda uno de los personajes más entrañables de toda la historia del cine, fue magistralmente interpretado por Lionel Barrymore, sin duda también uno de los actores más grandes que ha dado la gran pantalla. Lionel nos regalaba un inolvidable personaje a través de esta historia y, ocho años después, nos obsequiaba con otro gran papel también a las órdenes de Frank Capra, su malvado Sr. Potter de “¡Qué bello es vivir!”.

Cuando comenzó el rodaje de “Vive como quieras”, Lionel Barrymore acababa de sufrir una parálisis en sus piernas debido a una severa artritis y una lesión en la cadera. El guión fue entonces modificado para adaptarse a él, haciéndonos saber que su personaje había sufrido un esguince de tobillo. El actor rodó la totalidad de la película ayudándose con unas muletas. Qué grande, Lionel Barrymore.

El guión de esta inolvidable historia estaba basado en la obra homónima de George S. Kaufman y Moss Hart, y venía firmado por Robert Riskin, guionista habitual en el cine de Capra. “La locura del dólar”, “Dama por un día”, “Sucedió una noche”, “Estrictamente confidencial”, “El secreto de vivir”, “Horizontes perdidos”, “Juan Nadie” o “Un gángster para un milagro” nacieron del fruto de su trabajo conjunto.

Joseph Walker era el artífice de las imágenes y Dimitri Tiomkin añadía su maestría a la banda sonora. El rodaje de “Vive como quieras” dio comienzo a finales de Abril de 1938 y llegó a su término en poco menos de dos meses.

PENNY SYCAMORE es la hija de Martin Vanderhoff. Penny antes se dedicaba a la pintura. Pero ahora escribe comedias porque un día llevaron a su casa por error una máquina de escribir.

Spring Byington hizo suyo este personaje de forma encantadora. Tres años más tarde, volvía a coincidir con Frank Capra en “Juan Nadie”. Byington también se nos hizo muy familiar como Marmee, la madre de “Las cuatro hermanitas” en su versión de 1933.

PAUL SYCAMORE es el marido de Penny. También se dedica a hacer lo que más le gusta, fabricar cohetes en el sótano con el Sr. DePina y el Sr. Poppins.

El SR. DEPINA lleva con la familia desde que un día, hace ya nueve años, vino a entregar el hielo… y se quedó. El Sr. POPPINS trabajaba en un banco sumando y cuadrando cifras. Pero a él en realidad le gusta “hacer cosas” con lo que acepta la invitación del abuelo Vanderhoff y se queda también a vivir con la familia.

Samuel S.Hinds le prestaba su impecable aspecto a Paul Sycamore. Samuel ya había trabajado antes a las órdenes de Capra en “Dama por un día” y volvería a hacerlo después en el papel del padre del personaje de James Stewart en “¡Qué bello es vivir!”. Curiosamente Hinds interpretó también en 1933 al Sr. March, marido del personaje de Spring Byington en “Las cuatro hermanitas”.

Halliwell Hobbes, o el simpático Sr. DePina, trabajaba por segunda vez con Capra tras “Dama por un día”. A Donald Meek, el singular Sr. Poppins, también le recordaremos siempre como Samuel Peacock, el representante de licores de “La diligencia”.

Frank Capra tuvo conocimiento de la obra de teatro "You can't take it with you" cuando la vio en 1937 en Nueva York, donde había acudido con motivo del estreno de “Horizontes perdidos”.

La obra original de Hart y Kaufman ganó el 1937 el Premio Pulitzer de Teatro. Fue estrenada el 14 de Diciembre de 1936 y tuvo un total de 838 representaciones. En el elenco teatral aparecía el actor Henry Travers en el papel del abuelo. Diez años más tarde, Travers entraba en nuestro corazón para siempre a través de su personaje de Clarence, el “ángel sin alas” de “¡Qué bello es vivir!”.

La obra teatral aún continuaba en cartel cuando se estrenó su adaptación al cine. Mientras en el escenario aparecían tan sólo 19 personajes, la película llegó a sumar hasta 153.

ESSIE CARMICHAEL es una de las hijas de Paul y Penny. Ella lo que quiere es ser bailarina y a eso se dedica, a bailar y a hacer unos dulces a los que llama “sueños de amor”.

Ann Miller contaba tan sólo quince años cuando interpretó a Essie en esta película. Después se convertiría en una de las grandes bailarinas del musical americano.

ALICE es la otra hija del matrimonio Sycamore. Tiene una relación muy especial con su abuelo y trabaja como secretaria en la prestigiosa compañía Kirby.

Jean Arthur ya había trabajado con Capra en “El secreto de vivir” y volvería a coincidir con él, y con James Stewart, en “Caballero sin espada”. Curiosamente Jean era tan sólo 22 años más joven que Lionel Barrymore, su abuelo en “Vive como quieras”.

TONY KIRBY es el vicepresidente de la Compañía Kirby, a pesar de no tener ningún olfato para los negocios. También es el hijo del dueño de dicha compañía. Ahí conoce a Alice Sycamore con la que entabla una estrecha relación que deriva en un compromiso de matrimonio que, por supuesto, no aprueban sus progenitores.

James Stewart fue elegido para este papel tras verle Frank Capra en “Cadetes de mar”. “Vive como quieras” supuso su primera colaboración juntos. Después volverían a coincidir en “Caballero sin espada” y “¡Qué bello es vivir!”.

“Vive como quieras” obtuvo en la ceremonia de los Premios de la Academia el Oscar a la mejor película y al mejor director. También fue nominada a la mejor actriz secundaria (Spring Byington), mejor guión, mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido.

ANTHONY P. KIRBY es el dueño de la Compañía Kirby. Dispone de un séquito a su alrededor y cuenta con varios abogados trabajando en exclusiva para él. Y seguramente por todo esto tiene deshecho el estómago.

Edward Arnold nos ofreció una interpretación de antología como el todopoderoso Sr. Kirby. Más adelante, Arnold volvió a coincidir con Capra en “Caballero sin espada” y “Juan Nadie”. Magistral.

MIRIAM KIRBY es la esposa de Anthony y la madre de Tony. También la más reacia a la relación de su hijo con Alice.

Mary Forbes daba perfecta réplica a Edward Arnold en el papel de su mujer y encajaba su personaje de manera admirable.

El maravilloso reparto principal se completaba impecablemente con Dub Taylor como el marido de Essie, Mischa Auer como Kolenkhov, su profesor de baile, Harry Davenport como el divertido Juez o Ward Bond como uno de los detectives.

Y con H. B. Warner (Ramsey), Lillian Yarbo (Rheba), Eddie Anderson (Donald)... y un larguísimo y espléndido etcétera.

“Vive como quieras” es hoy un título ya mítico de la gran pantalla. Y no sólo por su excelente dirección, su impecable guión o su magnífico reparto.

Sino también por tener como protagonista a la familia Vanderhoff Sycamore, una de las más auténticas y entrañables familias de la historia del cine. Familia cuyos miembros, en especial el abuelo, nos transmiten con sus palabras una serie de valores fundamentales que aún hoy echamos en falta en nuestra sociedad. Valores de esos que todos afirmamos como ciertos y legítimos pero que ninguno llegamos a llevar a la práctica.

Yo me iría ahora mismo a vivir a la casa de los Vanderhoff Sycamore. A hacer sencillamente lo que realmente quisiera, lo que realmente me divirtiera.

¿Es que vosotros no?

JACKIE COOPER

En los años 80 conocí, a través de la pequeña pantalla, a un simpático grupo de niños que aquí nos fueron presentados como “La Pandilla” pero originalmente eran conocidos como “Our gang” o “Little Rascals”.

El creador de esta serie era un genio llamado Hal Roach, artífice también de otras figuras del cine cómico como Harold Lloyd o Laurel y Hardy. “La Pandilla” constaba de doscientos veinte cortometrajes y un largometraje e inició su andadura en 1922, alargando su gran éxito hasta 1944.

Por esta divertida serie desfilaron infinidad de actores infantiles. “Sunhine Sammy” Robinson, Mickey Daniels, Mary Kornman, Allen “Farina” Hoskins, Jean Darlin, Mary Ann Jackson, Gerge “Spanky” McFarland, Dickie Moore, Scotty Becket, Carl “Alfalfa” Switzer, Pete “el cachorro”...

Y Jackie Cooper, que estuvo en la serie durante 1930 y 1931. Pero para entonces, Jackie era un rostro conocido en la gran pantalla americana, a la que se había asomado ya en una serie de cortometrajes.

Nacido el 15 de Septiembre de 1922 en Los Ángeles (California), John Cooper Jr. pertenecía a una familia dedicada al mundo artístico. Además de ser sobrino del director Norman Taurog, tenía una madre pianista y una abuela que le llevaba desde muy temprana edad a los estudios de rodaje de Hollywood.

Y así fue como Jackie apareció por vez primera en la gran pantalla en un breve papel de un número musical del cortometraje “Fox Movietone Follies of 1929”. Tras éste, vendrían otros cortos hasta ser elegido por Hal Roach para formar parte de su simpática pandilla.

En 1931 Jackie Cooper fue contratado para la Paramount, para la que rodaría “Skippy”, largometraje en el que fue dirigido por su tío Norman y hacía un papel protagonista. La película, en la que compartía cartel con Robert, hermano del ya famoso Jackie Coogan, supuso el lanzamiento de Cooper como pequeña promesa cinematográfica y una nominación a los Premios Oscar que le convertía, a sus nueve años, en el primer actor infantil candidato a estos premios.

La carrera de Jackie en el cine ya estaba bien perfilada y en ese mismo año le llegó otro buen papel como el hijo de un boxeador en “El campeón”. El director del film era King Vidor y el compañero de reparto de Jackie, su padre en la pantalla, nada menos que Wallace Beery. Evidentemente, hoy “El campeón” es ya un clásico del cine.

Jackie siguió apareciendo con éxito en otros títulos cinematográficos y en 1934 fue elegido para otro de los personajes por el que sería siempre recordado, su Jim Hawkins de “La isla del tesoro”, dirigido esta vez por Victor Fleming y acompañado de nuevo en el reparto por Wallace Beery y un genial Lionel Barrymore.

Después vendrían “Dinky”, junto a Mary Astor, “La venganza de Frank James”, compartiendo cartel con Henry Fonda y Gene Tierney, “Las chicas de Ziegfield”, junto a James Stewart y Judy Garland…

Tras la Segunda Guerra Mundial, donde formó también parte de la banda de música, Jackie Cooper se instaló en Nueva York y comenzó a simultanear el teatro y la televisión. Participó en un gran número de programas para la pequeña pantalla e intervino en otras tantas series televisivas como “Hennesey” (por la que fue nominado en dos ocasiones como actor en los Premios Emmy), “Hawai 5-0”, “McCloud”, “Ironside”, “Colombo”, “Kojak”, “Los casos de Rockford”, “Se ha escrito un crimen”…Y obtuvo dos Premios Emmy, como director, por el episodio piloto de “The white shadow” (1978) y por “Carry on, Hawkeye”, uno de los episodios de la popular serie “Mash”.

Y en 1978 volvió a conseguir fama entre las nuevas generaciones con su papel de Perry White, el jefe de Clark Kent, en la película “Superman”. Jackie participaría también en las siguientes entregas cinematográficas del mítico superhéroe.

Anunció su retirada en 1989, aunque aún participaría en dos series televisivas más, “For Jenny with love” y “Capital News”. Y en los últimos años estuvo dedicado a la cría de caballos, aunque no dejó de estar disponible para cualquier documental que versara sobre los años dorados de Hollywood.

Jackie Cooper nos dejaba, muy tristemente, el pasado Martes 3 de Mayo. También nos regalaba su valiosísima dedicación artística durante nada menos que ocho décadas.

Shirley Temple, Jackie Coogan, Virginia Weidler, Mickey Rooney, Margaret O'Brien, Freddie Bartholomew... Y Jackie Cooper.

Gracias, Jackie.

Gracias, María

"Ha disfrutado toda la vida en el escenario y ya no las fabrican así. Muchos compañeros me han dicho que mi madre se ha ido y que no saben cuándo volverá a nacer
una persona con ese carisma y esa humanidad”

(Tony Isbert)

 

El pasado 25 de Abril el mundo de la escena española volvía a recibir un tremendo golpe. Se nos iba, a los 94 años de edad, María Isbert, una de nuestras mejores y más entrañables actrices.

“Era una persona grande, una mujer pura bondad, afable, un ser animoso, de esos que estaban dispuestos a darlo todo antes de que se les pidiera nada. Era una mujer de una enorme cultura, que hablaba varios idiomas, con una solidísima formación. Con ella desaparece una forma de vivir el teatro irreemplazable y que desgraciadamente ya ha dejado de existir”

(Emilio Gutiérrez Caba)

María Vicenta Ysbert Soriano nació en Madrid el 21 de Abril de 1917, aunque siempre profesó un gran cariño hacia Tarazona de la Mancha (Albacete), pueblo natal de su madre y también lugar de origen de su familia paterna.

Su padre, el gran Pepe Isbert, se resistía a que su hija no tuviera una formación académica y la matriculó en un colegio alemán, donde aprendió varios idiomas. Después quiso que opositara al cuerpo de Aduanas, pero María prefirió seguir sus pasos en el mundo de la interpretación.

"Ella preguntaba antes que nada qué había que hacer, lo intentaba y lo conseguía. Aunque era muy impactante trabajar con una cómica de su talla, ella te preguntaba, te consultaba, y te hacía sentir importante, nunca pretendía enseñarte nada y su humildad, y la capacidad de hacerte sentir actor era impresionante"

(Pepe Viyuela, su compañero de reparto, y su hijo,
en “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”)

María debutó en los escenarios, junto a su padre, con la obra de Alejandro Casona “Nuestra Natacha”, trabajando en la compañía familiar durante otros tantos años, la mitad de ellos como actriz protagonista.
 

Y su primera aparición en el cine fue en 1944 de la mano de Juan de Orduña y “La vida empieza a medianoche”. Su pasión era el teatro (en Noviembre de 1986 celebró sus bodas de oro en los escenarios) pero llegó a participar en más de 300 películas.

“Le ha faltado ese papel protagonista en un momento de su carrera en el que podría haber sacado las dotes interpretativas que tenía y que eran espectaculares. Lo digo como hijo y como profesional”

(Carlos Ysbert)
 

En el cine nos dejó su inconfundible huella en títulos como “Ella, él y sus millones”, “Dos cuentos para dos”, “Botón de ancla”, “Los ladrones somos gente honrada”, “Un rayo de luz”, “El cochecito”…

Y en “Viridiana”, “La gran familia”, “El verdugo”, “La guerra de papá”, “Tiempo de silencio”, “El bosque animado”, “Amanece que no es poco”…

Realmente adicta al humor negro, Maria Isbert afirmaba haber heredado de su padre el gusto por las noticias de sucesos.

“Las veo todas, y mientras lo hago paso un rato muy amargo.
¡Cómo son las cosas!”

En la pequeña pantalla, y a través del mítico Estudio 1, pudimos disfrutar de su arte escénico en obras como “El amante complaciente”, “Señora Ama”, “Mi señor es un señor”, “Cuidado con las personas formales”, “El retamal”, “Milagro en la casa de los López”, “El avaro”…

Y en series de televisión como “Anillos de oro”, “Brigada Central”, “Celia”, “Los ladrones van a la oficina”, “Hospital Central”, “7 vidas”, “El comisario”…

“Ser actriz me ha venido de Dios, la verdad del actor se encuentra sobre las tablas del teatro. Para ser buena actriz, lo mejor es no actuar”

En su dilatada trayectoria profesional recibió, entre otros galardones, el Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos por "Un hombre de negocios", la Medalla de Plata de las Bellas Artes, el Premio José Isbert y la distinción como académica de honor de la Academia de las Artes Cinematográficas de España.

Al Teatro Circo de Albacete acudía año tras año para entregar el Premio Nacional de Teatro ‘Pepe Isbert’ que concede desde hace 14 años la Asociación Española de Amigos de los Teatros. En 2006 le fue entregado dicho premio a Mari Carrillo, gran amiga de María.

"El diálogo entre las dos actrices era absolutamente delirante. Como si lo hicieran Mihura y Jardiel Poncela. Es decir, el absurdo total. Pero si algo me quedó en el recuerdo, de María, era el amor infinito de una madre con sus hijos y nietos. Y viceversa. No he visto nunca tan claramente desarrollar en esto el papel
de una primerísima cómica como lo hacía la Isbert”

(Andrés Peláez, director del Museo Nacional del Teatro)

Gracias de todo corazón, María, por tu sabiduría en la interpretación, tu natural simpatía, tu enorme sentido del humor… Por mostrarte tan entrañable y tan auténtica. Y por ser, además, tan digna sucesora de esa vis cómica, ese arte y esa magia que desprendía esa gran figura de nuestra escena que fue al mismo tiempo tu padre.

"A estas alturas lo único que sé es que la vida funciona como una tragicomedia maravillosa. Se anda entre susto y susto entre muchas cosas bonitas.

He sido siempre feliz en el teatro y, ahora que soy vieja, lo echo de menos... por eso, leo en voz alta y me aplaudo a mí misma”

(María Isbert)

Ciudadano Kane

A los 23 años de edad, Orson Welles se había labrado un merecido prestigio. En el teatro ya era muy bien considerado por sus adaptaciones de Shakespeare y otros clásicos. Y el 30 de Octubre de 1938, con su versión radiofónica de “La guerra de los mundos” como si de un reportaje en directo se tratara, había conseguido sembrar el pánico de punta a punta de los Estados Unidos.

Motivos más que suficientes para que la productora RKO decidiera abrirle las puertas del mundo del cine. El contrato de Welles con RKO le dio una libertad sin precedentes para un director novel. Iba a escribir, producir, dirigir y actuar en dos peliculas para la compañía, con total autonomía en la contratación de actores, técnicos y montaje final. La otra película sería, un año más tarde, “El cuarto mandamiento”, otra joya clásica que protagonizó también su amigo Joseph Cotten.

A Carole Lombard se le ofreció el papel principal de un melodrama llamado "Smiler with a knife", que iba a ser dirigido por Orson Welles, recién llegado a la RKO. Ella lo rechazó, optando por regresar a la comedia con “Mr. & Mrs. Smith”. Welles entonces desechó hacer la película sin Lombard y comenzó a trabajar en “Ciudadano Kane”.

Orson Welles siempre afirmó que en “Ciudadano Kane” no se contaba la biografía de un individuo específico, sino un compuesto de personajes estadounidenses de esa época. El diseño de Xanadú, la mansión de Charles Foster Kane, estaba inspirado en la propia casa de William Randolph Hearst y aunque es universalmente reconocido que esta película está basada en la vida del periodista y magnate de la prensa estadounidense, también hay elementos de la historia que se aplican a la vida de Samuel Insull, magnate del sector de empresas de concesiones de servicios públicos de Chicago.

Herman J. Mankiewicz, hermano del director de cine Joseph Leo Mankiewicz, firmaba junto a Orson Welles el brillante guión de esta película. Hacía ya varios años que Welles tenía escrita una obra, nunca producida, en la que se llevaba a cabo la exploración de una persona pública a través de los testimonios de las personas que le conocieron a lo largo de su vida. Mankiewicz escribió el primer borrador del guión de “Ciudadano Kane” a partir de esta historia, dándole luego forma entre él y Welles y convirtiéndole en una joya del cine.

Las maravillosas imágenes a través de las cuales se nos cuenta esta película venían de la mano de un verdadero maestro en la materia, Gregg Toland, excelente director de fotografía americano que ya nos había cautivado visualmente con títulos como “Rivales”, “Cumbres Borrascosas” o “Las uvas de la ira”. Vamos, un genio de la imagen. Para “Ciudadano Kane” utilizó Toland una técnica fotográfica que enfocaba simultáneamente todos los objetos situados en primer plano, centro o fondo de la imagen, dándole a la misma una sensación de profundidad no vista antes en la gran pantalla.

Y la utilización del contrapicado de la cámara nos mostraba caracteres fuertes como el de Charles Foster Kane. Por el contrario, la posición de la cámara en picado nos presentaba el carácter más débil de Susan Alexander Kane, la segunda esposa del magnate. Ésta fue una técnica que Orson Welles tomó de John Ford, quien la había utilizado dos años antes en “La diligencia”. Welles vio en privado este mítico título del western alrededor de cuarenta veces mientras rodaba “Ciudadano Kane”.

El impecable montaje del film era obra artística de Robert Wise quien, antes de este título, había firmado el montaje de “Esmeralda la zíngara” y después, el de “El cuarto mandamiento”, título éste al que Wise aportó también la dirección de escenas adicionales, comenzando aquí su carrera como director de cine, donde nos dejó joyas como “Ultimátum a la Tierra”, “West Side Story” o “Sonrisas y lágrimas”.

Y para redondear el equipo técnico se unía a la película, en su debut cinematográfico, el compositor neoyorkino Bernard Herrmann, que más adelante corroboraría su excelencia musical con su gran obra en clásicos como “El cuarto mandamiento”, “El hombre que sabía demasiado”, “Falso culpable”, “Vértigo”, “Con la muerte en los talones” o “Psicosis”. Total nada.

Este plantel de lujo en el aspecto técnico del film sólo podía completarse con un cartel de primera línea en el plano artístico. El elenco de actores de “Ciudadano Kane” era casi por completo el que integraba la compañía del Mercury Theatre que Welles fundó en 1937 con John Houseman. Allí se representaron radiofónicamente obras como "Los Miserables", "Historia de dos ciudades", "La isla del tesoro", "39 escalones", "Abraham Lincoln", "El Conde de Montecristo"… Y "La Guerra de los Mundos".

“Ciudadano Kane” fue el debut cinematográfico más que brillante de actores luego de renombre en la gran pantalla como Agnes Moorehead, Ray Collins, Ruth Warrick, George Colouris o Everett Sloane.

Y de Joseph Cotten, aquí en el papel de Jedediah Leland, el mejor amigo de Charles Foster Kane. El personaje de Leland se basaba en el célebre columnista Ashton Stevens, crítico teatral del San Francisco Examiner y del Chicago Herald, y hermano del actor Landers Stevens, que hacía una corta aparición en esta película. Ashton era también el tío del director George Stevens, el hijo de Landers.

Joseph Cotten hacía aquí, pues, su entrada en el cine por la puerta grande. Amigo personal de Orson Welles, volvió a ser dirigido por él en “El cuarto mandamiento” y formó también con él más adelante una de las parejas más recordadas de la historia del cine en “El tercer hombre”.

Joseph siguió cosechando éxitos en su carrera como actor dejándonos títulos ya clásicos en la historia del cine como “La sombra de una duda”, “Duelo al sol”, “Jennie”, “Atormentada”, “Niágara” o “Canción de cuna para un cadáver”.

En "Ciudadano Kane" Cotten tenía, además, trabajo extra al prestarle también su voz y su presencia a uno de los periodistas que ve el noticiario en la sala de proyección, a oscuras, donde también figuraban todos los actores masculinos de la película, incluído el propio Orson Welles.

Y otros datos curiosos del film. El que Welles se rompiera el tobillo durante el rodaje de la película y tuviera que dirigir durante dos semanas en una silla de ruedas. O el que una frase que dice Kane en la película ("No crea todo lo que oye en la radio") pudiera ser tan claramente interpretada como un guiño astuto del director aludiendo a su propia guerra de los mundos radiofónica.

“Ciudadano Kane” estaba lista para su lanzamiento en febrero de 1941. Pero la controversia en torno al tema que trataba la película retrasó su estreno y, entre otras cosas, el que el círculo de William Randolph Hearst intentara comprarla para evitar su lanzamiento y presionara a la RKO para que no lo llevara a cabo.

Afortunadamente, el 1 de Mayo de 1941 se estrenaba en Nueva York “Ciudadano Kane”, uno de los títulos más imprescindibles de la gran pantalla. Tan sólo fue premiada con el Oscar al mejor guión original, aunque fue también nominada como mejor película, director, actor (Orson Welles), fotografía, montaje, banda sonora, dirección artística y sonido.

Orson Welles tenía tan sólo 25 años cuando dirigió “Ciudadano Kane”, su primera película, hoy uno de los mejores clásicos de la historia del cine.

“Si no hubiese sido tan rico, hubiera llegado a ser un gran hombre”

(Charles Foster Kane)