Cinema Navidad

Entramos un año más en la Navidad, y con ella en un cinematográfico repaso de títulos navideños. Algunos de acostumbrada reposición. Otros, igualmente adecuados para ver en estas fechas.

Es Nochebuena en la ciudad de Nueva York. Un importante hombre de negocios, un modesto trabajador y un delincuente de poca monta se ven en la necesidad de alquilar sendos trajes de Santa Claus para esa noche. Cada uno por su lado acude por azar a la misma tienda de disfraces, cuyo propietario es un misterioso, perspicaz y jovial viejecillo.

Éste es sólo uno de los ocho personajes que interpreta Fred Astaire en “Un hombre vestido de Santa Claus” (1979). Pero, claro, él en realidad es Santa Claus. Y en la magia de la víspera de Navidad, todos los problemas y preocupaciones de los tres hombres van a tomar un rumbo muy distinto.

*****

En los grandes almacenes Macy's de Nueva York es contratado un encantador ancianito de blanca barba, en una urgencia de última hora para hacer de Santa Claus durante las fiestas navideñas. Pronto, este hombre comienza a hacer partícipe a todo el mundo de la manifestación de que él es el auténtico Santa Claus.

Natalie Wood contaba ocho años de edad cuando rodó el hoy clásico navideño “De ilusión también se vive” (1947). En ella, Wood interpretaba magníficamente a Susan Walter, una niña que desconfía de la existencia de Santa Claus. Edmund Gwenn, como el entrañable anciano Kris Kringle, obtuvo por este papel el Oscar al mejor actor secundario. Nueve años más tarde, Gwenn nos volvería a enternecer con su profesor Hamilton de “Calabuch”, su última interpretación para la gran pantalla.

*****

Una originalísima y entrañable versión del clásico relato de Charles Dickens nos ofrecen “Los Teleñecos en Cuentos de Navidad” (1992). Un acertadísimo Michael Caine encarna en esta película al tacaño y triste Mr. Scrooge, el inolvidable personaje de Dickens obsesionado con su propio egoísmo. Con la compañía de los simpáticos teleñecos, y guiado por el Fantasma de las Navidades, Scrooge será trasladado al pasado, al presente y al futuro y descubrirá por fin cuál es el verdadero espíritu de la Navidad.

Maravillosa película familiar, llena de buenas canciones y de momentos de humor, y dirigida con gran profesionalidad por Brian Henson.

Como datos curiosos, el que una de las tiendas se llame “Micklewhite” (el nombre real de Caine es Maurice Micklewhite) y la otra "Duncan & Kenworthy" (el productor Duncan Kenworthy es también uno de los creadores de “Fraggle Rock”). Además, la misma marioneta utilizada como el perro Sprocket en “Los Fraguel” la vemos en el principio y en el final de esta película.

La decisión de Brian Henson de utilizar a Gonzo y Rizzo para narrar la historia respondía al deseo del director de respetar al máximo la narración y prosa de la novela de Charles Dickens. La película está dedicada a Richard Hunt (uno de los intérpretes de voz de los Muppets) y a Jim Henson, su maravilloso creador. Y para Michael Caine, es este personaje de Scrooge uno de los preferidos de su filmografía.

*****

Y otra adaptación, esta vez animada, del famoso cuento de Dickens, nos la ofrecía unos años antes la factoría Disney. En “Una Navidad con Mickey” (1983), nominada al Oscar al mejor corto animado, y a través de unos maravillosos dibujos, veíamos cómo el humilde y agradable Bob Cratchit (Mickey Mouse) se mostraba impaciente por volver a casa y celebrar con su familia el día de Nochebuena.

Pero para su jefe, Ebenezer Scrooge (Tío Gilito), el hombre más tacaño de la ciudad, la Navidad debe servir, como cualquier otro día, para ganar dinero. Tras concederle a Bob medio día libre, Scrooge se dirige a su casa sin sospechar la tenebrosa sorpresa que le espera.

En esta historia también aparecían el Pato Donald y Gooffy. Como dato curioso, señalar que ésta fue la última vez que Clarence Nash cedió su voz a Donald, así como la primera en la que Wayne Allwine se la prestaba a Mickey.

*****

Y sin salirnos del mágico mundo de la animación, nos encontramos con "Un Borrico en Navidad" (1978), mediometraje dirigido magistralmente por Don Bluth al que supo impregnarle su estilo pese a ser un trabajo hecho para la factoría Disney.

En este relato, un joven campesino debe salir de viaje para vender a su mejor amigo, un borrico débil y anciano. El muchacho no quiere separarse de él, pero al verse obligado, intentará encontrarle un buen dueño. El borrico terminará siendo elegido para una misión muy, muy especial.

*****

Y otro tipo de animación nos llegaba en 1993 de la siempre original creatividad de Tim Burton. “Pesadilla antes de Navidad” es un viaje fantástico de imágenes y sonidos donde el Rey de las Calabazas de Halloween desea suplantar a Santa Claus para crear una versión renovada de la Navidad, en la que las bromas macabras sustituirán a los tradicionales buenos sentimientos.

También es el primer largometraje animado rodado con la técnica "stop motion", basada en la grabación, fotograma a fotograma, de imágenes estáticas de las marionetas y su posterior reproducción a determinada velocidad, consiguiendo movimientos fluidos y naturales de sus protagonistas.

Danny Elfman, asiduo compositor de las películas de Burton, prestó su voz en las canciones a Jack, el protagonista, pues Chris Sarandon, encargado de la voz de Jack, carecía de aptitudes para cantar. La dirección del film corrió finalmente a cargo de Henry Selick, ya que Burton se encontraba simultáneamente trabajando en “Batman Returns”.

El resultado del genio visionario de Tim Burton fue un sobrecogedor mundo con personajes sorprendentes e inolvidables.

*****

Las campanas repican, los villancicos suenan y el espíritu navideño parece cubrir el mundo como un manto de nieve recién caída… Pero este espíritu no tiene cabida en el hogar victoriano del Obispo Henry Brougham (David Niven). En su lucha por recaudar fondos para construir una nueva catedral, el preocupado clérigo ha desatendido de tal manera a su afectuosa esposa, Julia (Loretta Young), que ahora lo único que puede salvar su matrimonio es una intervención divina.

Pero el poderoso y atractivo ángel Dudley (Cary Grant), enviado desde las alturas, tiene ideas propias. Y dar al mortal Henry una lección inmortal en romanticismo no es todo lo que tiene planeado.

“La mujer del obispo” (1947) es una ingeniosa comedia romántica respaldada en su reparto principal por figuras de la talla de James Gleason y Monty Woolley. Curiosamente en un principio iba a ser Grant el que diera vida al clérigo y Niven el que interpretara al ángel. Pero el director William A. Seiter abandonó el proyecto y fue reemplazado por Henry Koster, quien consideró cambiar los papeles. Y realmente fue un acierto.

*****

Adaptación de la famosa novela homónima de Louisa May Alcott, dirigida en 1949 por Mervyn LeRoy, “Mujercitas” nos relata cómo cambia radicalmente la vida de las cuatro hermanas March cuando su padre debe partir para participar en la Guerra Civil Americana.

Con su marido en la guerra, Marmee (Mary Astor) debe encargarse de educar a sus hijas: la formal Meg (Janet Leigh), la inquieta Jo (June Allyson), la romántica Amy (Elizabeth Taylor) y la frágil Beth (Margaret O’Brien). Juntas deberán realizar un aprendizaje, a veces doloroso, a veces fascinante, de la vida y del amor.

*****

En una pequeña ciudad de provincias se van a realizar las obras caritativas del año. Se trata de conseguir voluntarios que, bajo un desembolso económico, lleven a su casa a cenar a un mendigo en Nochebuena. Para atraer a los interesados, se traen de la capital a representantes famosos del mundo del cine.

Paralelamente, a Plácido, un padre de familia que pasa por penurias económicas, le “alquilan” su nueva motocarro para que sea utilizada en la cabalgata del evento. Y siendo ésta la última oportunidad que se le ofrece para poder pagar la primera letra del vehículo, la cual vence ese mismo día.

Nominada al Oscar a la mejor pelicula extranjera en 1962, esta historia iba a llevar el original título de “Siente a un pobre a su mesa", pero la censura española no lo permitió. “Plácido” es hoy una de las joyas de la cinematografía de nuestro país. Y es que contaba con los mejores actores del momento. Y el siempre genial tándem Azcona- Berlanga firmaba el proyecto.

*****

Y terminamos este repaso como el Concierto de Año Nuevo. Con la Marcha Radetzky de la Navidad: “ ¡Qué bello es vivir! ” (1946), inolvidable película de Frank Capra.

Durante la Nochebuena de 1945, abrumado por la repentina desaparición de una importante cantidad de dinero, George Bailey (James Stewart), banquero de la pequeña localidad de Bedford Falls, toma la decisión de suicidarse.

En el último momento, Clarence (Henry Travers), un viejo ángel que aún no ha conseguido sus alas, le hace recapacitar sobre el verdadero sentido de la vida.

El actor Lionel Barrymore, que en esta película interpreta magistralmente al odioso Sr. Potter, fue el que convenció a James Stewart para que diera vida a George Bailey. Este papel fue originalmente desarrollado pensando en Cary Grant, pero cuando Frank Capra entró en el proyecto, se reescribió para James Stewart.

Hoy es el papel más recordado y significativo del actor. No en vano, era la película favorita de Stewart y de Capra.

Y también la que más veces se ha emitido en las televisiones de todo el mundo durante las fechas navideñas. Si yo me la encontrara este año en algún canal de televisión, me la volvería a ver.

De hecho, no dudaría en irme ahora mismo a vivir a Bedford Falls. Con ese taxista, ese policía, el tío Billy, la familia Bailey, la gente del pueblo y, por supuesto, el ángel Clarence. Y es que el mundo de Frank Capra es así de maravilloso.

*****

Aún os puedo recomendar otros títulos para estas fechas. Clásicos como “Navidades Blancas” o “Las zapatillas rojas”. Entrañables como “La gran familia”, ya sabéis, todos a buscar una vez más a Chencho, o “Marcelino Pan y Vino”.

Y, especialmente, una película italiana absolutamente fabulosa: “Milagro en Milán”, dirigida en 1951 por Vittorio de Sica.

No os cuento más porque es una historia que se va haciendo, poco a poco, cada vez más grande. Y es que De Sica era absolutamente mágico.

¡FELIZ NAVIDAD DE CINE!

All that 1979

“All that Jazz”, también conocida como “Empieza el espectáculo”, celebra hoy el 30 aniversario de su estreno.

Dirigida y coreografiada en 1979 por Bob Fosse y a través de un guión suyo y de Robert Alan Aurthur, este genuino musical nos cuenta la vida de Joe Gideon, coreógrafo y director de teatro que selecciona bailarines, y prepara la coreografía de su próximo espectáculo en Broadway, al mismo tiempo que trabaja en el montaje de una película para Hollywood sobre la vida de un famoso comediante.

Fumando un cigarrillo tras otro y durmiendo con sus conquistas entre las bailarinas, Gideon comienza todos los días escuchando a Vivaldi, poniéndose gotas en los ojos y tomando antiácidos estomacales y estimulantes para poder seguir manteniendo su espectáculo más grande, su propia vida.

“All that Jazz” está realmente inspirada en el intenso período de trabajo del propio Fosse cuando editaba su película “Lenny”, sobre el conocido comediante Lenny Bruce, y simultáneamente preparaba para Broadway el musical “Chicago”. Precisamente, “Empieza el espectáculo” toma su título original de la canción “All that Jazz” del musical “Chicago”.

“No bailes para el publico, baila para ti mismo”

Nacido en Chicago, Illinois, el 23 de Junio de 1927, Robert Louis Fosse realizó a los trece años su primera gira con su propio número musical. Y a los quince creó su primera coreografía sobre el tema “That old magic” de Cole Porter.

En 1948, Fosse debutó como bailarín en el teatro y, cinco años más tarde, en el cine. Tras hacer papeles destacados en “Bésame, Kate” y “Tres chicas con suerte”, protagonizó y creó la coreografía de “Mi hermana Elena”, pero sin abandonar nunca la actividad teatral, donde estaba brillando más que en el cine.

“El baile expresa la alegría mejor que cualquier otra cosa”

En 1969, Bob Fosse adaptó a la gran pantalla y dirigió “Noches en la ciudad”, musical basado en el film de Fellini “Las noches de Cabiria”, creando ya el hoy conocido “estilo Fosse” en esta historia y en esta protagonista femenina, a la que da vida una magnífica Shirley McLaine. Pero es en 1972 cuando Fosse consigue el éxito mundial con la película “Cabaret”, con la que obtuvo merecidamente el Oscar al mejor director.

Fue el primer director que consiguió una triple cima: el Oscar por “Cabaret”, el Tony por “Pippin” y el Emmy por “Liza with a Z”.

En 1974, dirigido por Stanley Donen, Fosse nos regaló un maravilloso número musical, coreografiado por él, en “El pequeño príncipe”, película basada en el libro de Saint-Exupéry, en una única e inolvidable escena donde Bob asumía el ingrato papel de la serpiente.

“Vive como si fueras a morir mañana, trabaja como si no necesitaras el dinero, y baila como si nadie te estuviera mirando”

El ídolo reconocido de Bob Fosse era Fred Astaire. Astaire ha sido siempre uno de mis incondicionales ídolos. Y Bob Fosse también. El creador de “Chicago”, “Cabaret”, “Noches en la ciudad” y “All that Jazz” nos dejaba tristemente el 23 de Septiembre de 1987. Realmente, una gran pérdida en el mundo del espectáculo. Gracias por todo, Bob.

“It’s showtime, folks!”

Richard Dreyfuss fue originalmente considerado como Joe Gideon. Finalmente el elegido fue Roy Scheider, compañero de reparto de Dreyfuss cuatro años antes en “Tiburón”.

Scheider nos brinda una genial interpretación en esta su primera incursión en el género musical. Es, directamente, Joe Gideon.

Nominado merecidamente al Oscar y al Globo de Oro por su encarnación del coreógrafo y bailarín, Scheider también nos dejaba tristemente el pasado año. Y también a él le echaremos de menos.

Además de Joe Gideon, muchos de los personajes de “All that Jazz” están basados en personajes reales del mundo del teatro neoyorquino. Entre otros, Audrey, su mujer en la película, está inspirada en la mujer y compañera de baile de Fosse, Gwen Verdon. O Lucas, personaje que interpreta John Lithgow, basado en el director de teatro Michael Bennett, con quien Fosse tuvo una larga rivalidad.

O el personaje del cómico que interpreta Cliff Gorman, basado en Lenny Bruce, papel que interpretó Dustin Hoffman dirigido por Fosse en “Lenny”. O Ann Reinking, reconocida bailarina de Broadway, que hace aquí su propio papel aunque su personaje tiene otro nombre.

Y aparecen en el film otros dos personajes que son cruciales en la vida de Joe Gideon. Angelique es la bella mujer (cómo no) que le acompaña en su último viaje, maravillosamente encarnada por Jessica Lange.

Y O’Connor Flood es el encargado de presentar a Joe Gideon en “Bye, bye, love”, su gran número final. Número de una calidad visual y emocional enorme. Flood está interpretado en la película por Ben Vereen, actor, bailarín y cantante que ya antes había sido dirigido por Fosse en “Noches en la ciudad” y que ya en 1977 se nos hizo un rostro popular a través de la serie de televisión “Raíces”.

“All that Jazz” también contaba con una curiosa colaboración. Nicole Fosse, hija del director y de Gwen Verdon, aparecía aquí como una de las bailarinas Como así lo hiciera años más tarde en “A chorus line”, otra maravilla del musical americano dirigida en esta ocasión por Richard Attemborough.

Bob Fosse, Gwen Verdon y Nicole Fosse

En 1999, Gwen y Nicole se unieron para crear “Fosse”, un musical de Broadway como homenaje a Bob Fosse. En él participaron Ann Reinking como codirectora y coreógrafa y Ben Vereen. Este musical obtuvo 5 Premios Tony, entre otros el Laurence Olivier Award al mejor musical.

En 1980, “All that Jazz” obtuvo 4 Premios de la Academia: dirección artística, diseño de vestuario, montaje y música, siendo también nominada al mejor actor, fotografía, director, película y guión.

También se llevó la Palma de Oro, junto a “Kagemusha” de Kurosawa, en el Festival de Cannes. Y el Premio de la Academia Japonesa a la mejor película de habla extranjera.

Un merecido triunfo para una gran película.

Pero 1979 también fue el año del estreno de una serie de títulos que ya están por derecho propio en la historia del cine.

“Apocalypse now”, “Kramer contra Kramer”, “Manhattan”, “El síndrome de China”, “La vida de Brian”, “Bienvenido, Mr, Chance”, “Hair”, “El jinete eléctrico” o “Campeón”, son algunas de las películas que conforman la buena cosecha de este año.

Feliz aniversario también a todas ellas.

Para finalizar, y ya que estamos en “La Gran Pantalla”, me voy a permitir hacerle una pequeña despedida a la actriz Jennifer Jones, que tristemente nos dejaba el pasado Jueves a la edad de 90 años.

Y me despido de ella recordando, sobre todo, su Bernadette, su Emma Bovary, su Pearl Chavez, su Carrie...

Gracias, Jennie.

Lo que 1939 nos dejó

A principios del pasado Agosto, Hollywood celebró el 70 aniversario del mejor año de su época dorada: 1939. En aquel tiempo, los avances en el uso del Technicolor y la mejora en la tecnología de las cámaras comenzaban a dar su fruto.

“Se llegó a una cima creativa de Hollywood”
(Randy Haberkamp, miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias)

Durante estos años dorados, ayudó mucho el que un grupo de artistas europeos emigraran a Estados Unidos debido a la amenaza del nazismo y la Segunda Guerra Mundial.

“Ellos hicieron posible el alineamiento de estrellas. El influjo de su talento tuvo mucho que ver con la calidad de las películas. La gente empezó a ir más al cine y a gastar dinero. Al mismo tiempo, la industria invertía más recursos en hacer mejores películas”
(Randy Haberkamp)

“Beau Geste”, “Corazones indomables”, “Las cuatro plumas”, “Esmeralda, la zíngara”, “Sólo los ángeles tienen alas”, “Los violentos años 20”, “Mujeres” o “El joven Lincoln” son algunos de los títulos de este año. Un año maravilloso.

Y como parte de la celebración de este 70 aniversario, desde el pasado mes de Mayo la Academia de las Artes y Ciencias cinematograficas de Hollywood comenzó a exhibir, en el Teatro Samuel Goldwyn Mayer, las diez candidatas a mejor película de 1939.

“Adios, Mister Chips”, “Amarga victoria”, “Cumbres Borrascosas”, La diligencia”, “Lo que el viento se llevó”, “El Mago de Oz”, “Caballero sin espada”, “Ninotchka”, “De ratones y hombres” y “Tú y yo”, fueron los títulos candidatos y la elección de la ganadora no fue fácil debido a la calidad que reunían todos ellos.

El ciclo conmemorativo arrancó con la triunfadora en la ceremonia de los Premios de la Academia de ese año: “Lo que el viento se llevó”, clásico de la historia del cine que precisamente hoy, 15 de Diciembre, cumple su 70 aniversario.

“Lo que el viento se llevó” tuvo su origen en una novela. Es más, en la única novela que escribió Margaret Munnerly Mitchell. Nacida el 8 de Noviembre del 1900 en Atlanta, capital del estado sureño de Georgia, Margaret Mitchell pertenecía a una familia de ascendencia irlandesa.

 

De 1922 a 1926 trabajó como reportera y columnista en la publicación de su pueblo natal, el “Atlanta Journal”. Pero en 1926 Margaret sufrió una grave caída que le ocasionó una serie de lesiones en el pie. De ese crítico accidente se desató un estado artrítico agudo que la obligó a dejar de trabajar en el periódico y pasar largas horas del día en cama.

Con el fin de combatir sus largos ratos de soledad y aburrimiento, su marido le sugirió que escribiera un libro con todos aquellos recuerdos contados por sus progenitores y procedentes de su infancia. La autora volcó en la novela, además, sus extensos conocimientos de historia. Dato curioso es el que comenzara la novela por el final y lo último que escribiera fuera el principio.

La historia de esta familia se convirtió de inmediato en un best seller, con cincuenta mil copias vendidas el primer día y con más de millón y medio de ejemplares vendidos tan sólo en el primer año. Un éxito desconocido en el mundo de la edición norteamericana gracias al cual obtuvo Margaret el Premio Pulitzer en 1937.

En el verano de 1949, cuando se dirigía a un cine en la ciudad de Atlanta, un taxi que circulaba a gran velocidad se llevó por delante a la escritora, dejándola en una grave situación. Al cabo de cinco días, el 16 de agosto de 1949, Margaret fallecía a causa de las heridas del accidente.

Los habitantes de Atlanta, su ciudad natal, aseguran que fue Margaret Mitchell quien puso a la ciudad en el mapa cuando tan sólo era un pueblo ferroviario.

Hoy en día se conserva como museo la casa en la que habitara la autora durante la primera mitad del siglo XX, y su arquitectura guarda bastantes diferencias respecto a los edificios de alrededor.

Al igual que un siglo antes lo hiciera Emily Brönte con “Cumbres Borrascosas”, Margaret Mitchell nos dejaba a los 48 años de edad dejando tras de sí tan sólo una única novela. Eso sí, una gran novela.

***

Katharine Brown, colaboradora del productor cinematográfico David O’Selznick, le envió a éste en Mayo de 1936 las pruebas de imprenta y la sinopsis de la novela de Margaret Mitchell, con la entusiasta recomendación de que comprara los derechos de adaptación al cine.

Un mes después de la publicación del libro, en Junio de 1936, Selznick se hizo con esos derechos.

Y comenzó la selección del reparto. Para el papel de Rhett Butler no se plantearon muchas dudas. Los cuatro únicos actores que había considerado Selznick eran Clark Gable, Gary Cooper, Errol Flynn y Ronald Colman.

Sin embargo, el productor comenzó a recibir innumerables cartas en las que se pedía que Rhett fuera interpretado por Clark Gable. A Selznick también le gustaba esta opción. El problema era que Gable tenía contrato con la Metro Goldwyn Mayer y era necesario hacer un trato con ellos para que Clark fuera cedido.

Curiosamente, al único que le disgustaba esta idea era al propio Clark Gable que, incluso siendo el papel por el que más se le recordaría en toda su carrera, vio toda la vida este título como una “película de mujeres”.

Para el papel de Scarlett O’Hara, la protagonista de esta historia, el proceso fue mucho más lento, alargándose a dos años el llegar a su elección. Fueron unas 1.400 actrices las que pasaron la prueba para el papel de Scarlett.

Entre otras, optaron a este papel Jean Arthur, Lucille Ball, Tallulah Bankhead, Bette Davis, Claudette Colbert, Joan Crawford, Paulette Goddard, Katharine Hepburn, Carole Lombard, Norma Shearer, Barbara Stanwyck, Margaret Sullavan, Susan Hayward, Frances Dee, Lana Turner, Joan Bennett y Olivia de Havilland.

Curiosamente, De Havilland fue elegida finalmente para interpretar a la otra mujer importante de la historia: Melanie Hamilton. Pero esta oportunidad le vino de rebote pues para este papel había hecho una prueba anterior su hermana en la vida real, la actriz Joan Fontaine, que apareció toda engalanada para la prueba y fue rechazada precisamente por tanta ostentación.

Fontaine reaccionó diciendo que si querían a una actriz sosa llamaran a su hermana (la relación entre ellas era bastante inexistente) y O’Selznick no sólo hizo la prueba a De Havilland sino que finalmente le dio el personaje.

Y buena elección la del productor pues Olivia llevó a cabo una impecable interpretación.

Existen dos teorías sobre la elección de Vivien Leigh como Scarlett. Una cuenta que ya estaba secretamente elegida en Febrero de 1938 y se hizo el resto del casting para darle publicidad al proyecto.

La otra teoría, más dramática e interesante, sostiene que el hermano de Selznick, Myron, que era entonces agente de Vivien, se la presentó en el rodaje de la escena del incendio diciéndole: “David, te presento a Scarlett O’Hara”. Aún hoy no se sabe la verdad con absoluta certeza.

En cuanto al personaje de Ashley Wilkes, y aunque Selznick había considerado antes a Vincent Price y a Melvyn Douglas, finamente le fue ofrecido a Leslie Howard. Pero Leslie, a sus 46 años, se veía mayor para el papel.

El sueño de Howard siempre había sido ser productor y Selznick lo sabía. Y le propuso un trato. Le presentó a una joven actriz sueca llamada Ingrid Bergman, y le ofreció la oportunidad de producir y protagonizar lo que sería el debut de ella en Hollywood: “Intermezzo”.

Howard aceptó entusiasmado y, tras producir y coprotagonizar con gran éxito su película, se metió de lleno en el papel de Ashley. Y aquí tampoco se equivocó Selznick.

Hubo otros datos curiosos en el reparto. Hattie McDaniel, la entrañable Mammie en esta historia, fue la primera actriz afroamericana en ser nominada y ganar, además, el Oscar. Lillian Gish fue considerada, en un principio, para hacer de la madre de Scarlett. Pero finalmente fue elegida Barbara O’Neil, en la vida real tan sólo tres años mayor que Vivien Leigh, su hija en la historia.

Y para el papel de Bonnie Blue Butler, la hija de Rhett y Scarlett, se llegó a plantear la posibilidad de que lo hiciera Elizabeth Taylor. Finalmente fue elegida Cammie King Conlon, quien debutó en la gran pantalla con tan sólo cuatro años de edad en un papel por el que sería recordada durante toda su vida.

Completaban el reparto figuras de la talla de Thomas Mitchell como el padre de Scarlett (curiosamente Thomas obtuvo este año el Oscar por su papel en “La diligencia”), Jane Darwell, Ward Bond o Richard Farnsworth.

También la dirección de la película fue cambiando a lo largo del rodaje. Llegó a rodarse con cinco directores distintos: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming.

Y aunque George Cukor fue excluído de la producción, continuó dirigiendo en privado a Vivien y a Olivia en los fines de semana que ellas le requerían. Por algo era conocido como "el director de mujeres". Afortunadamente, sobrevivió una escena rodada por Cukor en la película: el nacimiento del niño de Melanie.

Cuando Victor Fleming asumió la dirección de la película, rechazó el guión ya escrito de Sydney Howard. La producción se cerró durante 17 días mientras Ben Hecht reescribía el guión. Pero Hecht, que consideraba soberbio el guión de Howard, lo utilizó de base para su reescritura.

"Lo que el viento se llevó" se estrenó el 15 de Diciembre de 1939 en el Gran Teatro Loews, que se engalanó con un falso porche de columnas blancas a imitación del típico estilo arquitectónico del sur de Estados Unidos. Tuvo un éxito arrollador.

8 Premios Oscar avalaron la calidad de la producción: Película, Director (Victor Fleming), Actriz principal (Vivien Leigh), Actriz secundaria (Hattie McDaniel), Guión adaptado, Fotografía, Direccion Artistica y Montaje. Y Selznick, artífice de esta gran película, recibió, más que merecidamente, el Premio Irving Thalberg.

Y 5 nominaciones más corroboraron su magnitud: Actor principal (Clark Gable), Actriz secundaria (Olivia de Havilland), Música original, Efectos visuales y Sonido.

Para conmemorar el 70 aniversario de "Lo que el viento se llevó", se ha vuelto a editar en DVD con especiales características.

Y es que todo parece poco a la hora de rendir tributo a una de las mejores películas de la historia del cine.

Y a uno de los mejores personajes que ha dado la literatura.

Gracias, Margaret.