La Gran Pantalla

El maravilloso mundo ilustrado de Drew Struzan

2012-01-26T21:03:00.012+01:00

“Drew Struzan tiene el talento de captar fielmente a los personajes, enriqueciéndolos y haciéndolos más grandes, más gloriosos y más románticos que en una fotografía. Es uno de los mejores.

Espero que disfruten con su trabajo tanto como lo hago yo”

(George Lucas)

Nacido en Oregón en 1947, Drew Struzan se graduó con las mejores calificaciones en el Art Center College of Design de Pasadena (California) donde, con el tiempo, ejercería como profesor.

Más adelante, trabajó en la empresa Pacific Eye and Ear como artista de plantilla ilustrando, principalmente, portadas de discos, entre otros, el quinto álbum de Black Sabbath, el primer disco en solitario de Alice Cooper, el undécimo álbum de los Bee Gees o el veintitresavo de los Beach Boys.

“La verdad es que yo nunca pensé en dedicarme a hacer pósters para películas. Jamás fue mi objetivo. Entré en este mundo por casualidad. Desde pequeño supe que quería ser artista. Siempre dibujaba y pintaba con la intención de hacer del arte mi vida y mi manera de expresarme”

Struzan comenzó a ilustrar carteles para películas en otra compañía llamada Pencil Pushers, siendo su primer trabajo cinematográfico el correspondiente a la película de 1975 “The black bird”.

Y fue en esta compañía donde tuvo lugar su primer contacto con Lucasfilm, productora fundada por George Lucas en 1971, al colaborar Drew Struzan en la elaboración del póster que se utilizó en la primera reposición, al año de su estreno, de “La guerra de las galaxias” (1977). Más adelante, Struzan continuaría ilustrando el resto de la saga.

El imperio contraataca (1980)

El retorno del Jedi (1983)

Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma (1999)

Star Wars: Episodio II – El ataque de los clones (2002)

Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith (2005)

“Una vez un artista ha sido educado y tiene experiencia, sus conocimientos se convierten en sus herramientas para crear. El nacimiento de la creatividad está ahí: en el sentimiento de que tus méritos se imponen”

Drew Struzan es al único artista al que Steven Spielberg ha autorizado para ilustrar a su mítico E.T. Aunque los pósters originales que se hicieron para esta maravillosa película de 1982 fueron obra de John Alvin, otro genio en la materia que tristemente nos dejaba a principios de 2008.

Spielberg y Lucas también contaron con Drew para que diera vida en los carteles al arqueólogo más aventurero, y más de todo, de la historia del cine.

En busca del arca perdida (1981)

Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Indiana Jones y la última cruzada (1989)

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008)

“Harrison Ford siempre ha dicho que de todos los personajes que ha interpretado, Indiana Jones es su favorito. Soy muy dichoso de haber representado ese tema tantas y tantas veces. Quizá por eso, mi trabajo en Indiana Jones haya tenido éxito, porque me sentí muy feliz de poder realizarlo”

Hook (1991)

“Conocí a Lucas en 1991, cuando ya había terminado el poster de ‘Hook’ de Steven Spielberg. A mi esposa y a mí nos invitaron al estreno de ese film. Fue un acontecimiento realmente impresionante, con estrellas, directores, productores, ejecutivos, orquesta y la prensa”

Drew Struzan ha sido además el ilustrador de la trilogía de “Regreso al futuro”...

Regreso al futuro (1985)

Regreso al futuro II (1989)

Regreso al futuro III (1990)

Y de los cuatro primeros títulos de los siete que componen la saga de “Loca academia de policía”...

Ha dedicado también su arte al público más joven, a través de Disney...

Oz, un mundo fantástico (1985)

PatoAventuras, la película (1990)

Ángeles (1994)

Y de otros títulos que ya forman parte de la historia del cine infantil y juvenil...

La aventura de los Ewoks (1984)

Fievel y el nuevo mundo (1986)

Los Goonies (1985)

Los Picapiedra (1994)

Rex, un dinosaurio en Nueva York (1993)

Harry Potter y la piedra filosofal (2001)

Y nos ha deleitado a todos con sus carteles para las películas de los Teleñecos...

El gran golpe de los Teleñecos (1981)

Los Teleñecos en Cuento de Navidad (1992)

Los Teleñecos en la Isla del Tesoro (1996)

Los Muppets (2011)

“Creo que tengo algo especial que toca corazones y mentes y que seduce, inspira y recompensa a la gente en un nivel puro, natural y personal que no puede ser realizado digitalmente ni llevar a cabo la misma conexión que consigue la pintura. No quiero abandonar mi don”

Hemos conocido el trabajo de Drew Struzan a través de grandes títulos cinematográficos...

Robin y Marian (1976)

Blade Runner (1982)

Lady Halcón (1985)

El nombre de la rosa (1986)

Shirley Valentine (1989)

Cadena perpetua (1994)

y a través de otros no tan grandes aunque sí igual de conocidos...

"Asesinato en Beverly Hills", "El príncipe de Zamunda", "La isla de las cabezas cortadas", "Los locos de Cannonball", "Golpe en la pequeña China"...

“Soy o no soy”, “Masters del Universo”, “Nuestros maravillosos aliados”, “Hot Shots! 2”...

“Si tuviera que estancarme en los éxitos que he tenido, estaría condenado a repetirme y a convertirme en un dinosaurio. Habría alcanzado mi cima y no habría motivo para seguir adelante”

Los más de 180 carteles cinematograficos que ha realizado Drew Struzan le han convertido en uno de los artistas de mayor reconocimiento en la industria del séptimo arte.

Struzan también ha plasmado su arte en el mundo del cómic...

en las portadas de libros sobre míticas sagas...

y en la de “George Lucas: The creative impulse”, libro escrito por Charles Champlin sobre el genial cineasta que fue publicado en 1992.

Ha demostrado su buen hacer en el Servicio Postal de los Estados Unidos...

y tambien ha diseñado carteles para distintos premios cinematográficos.

En 2002 Drew Struzan recibió, por parte de la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, un premio a toda su carrera, distinguiéndole como “uno de los más famosos y coleccionados artistas del mundo”.

“Mi artista favorito del cine”

(Steven Spielberg)

La familia

2012-01-22T00:18:00.012+01:00

“El filme es una larga mirada sobre la familia italiana, en el arco que va desde el nacimiento del protagonista, en 1906, hasta el día en que

cumple los 80 años”

(Ettore Scola)

El 22 de Enero de 1987, hace hoy 25 años, se estrenaba en Italia “La familia” (La famiglia), una maravillosa coproducción italofrancesa que nos era narrada de manera magistral por Carlo, su protagonista.

“La familia” venía firmada por Ettore Scola, exquisito cineasta italiano que había debutado en la dirección en 1964 con “Se permettete parliamo di donne” y “El millón de dólares” y llevaba ya tras de sí títulos como “Una jornada particular”, “La terraza”, “La noche de Varennes” o “La sala de baile”. Dos años después de “La familia”, Scola nos regalaría “Splendor”, otra joya del cine italiano.

La mágica historia de “La familia” era obra de Ruggero Maccari, Furio Scarpelli, Graziano Diana y el propio Ettore Scola. A ella se unía el impecable montaje de Francesco Malvestito y una magistral fotografía a cargo de Ricardo Aronovich, quien ya había coincidido con Scola en “La sala de baile” y nos había dejado las imágenes de otras películas como “Un soplo al corazón”, “Lo importante es amar”, “Providence” o “Desaparecido”.

Y Armando Trovajoli firmaba la extraordinaria banda sonora. En el cine desde 1952, este prestigioso compositor italiano nos había regalado ya “Dos mujeres”, “Matrimonio a la italiana”, “Casanova’70”, “El profeta”, “Los secretos de la cosa nostra”, “Perfume de mujer”... Y “El diluvio que viene”.

Trovajoli había ya había trabajado anteriormente con Ettore Scola en “Una jornada particular”, “La terraza”, “La noche de Varennes” y “Macarroni”. Dos años después de “La familia”, ambos volverían a coincidir en “Splendor”.

Vittorio Gassman llevaba ya en la gran pantalla, desde 1945, una prestigiosa carrera cinematográfica donde lucían clásicos como “Arroz amargo”, “Ana”, “Guerra y paz”, “Rufufú”, “La gran guerra”, “Fantasmas de Roma”, “El juicio universal”, “La escapada”, “En nombre del pueblo italiano”, “Perfume de mujer”...

Gassman también había trabajado ya con Scola, en el debut de éste como director, en “Se permettete parliamo di donne” (donde Vittorio interpretaba a varios personajes) y “El millón de dólares”, ambas de 1964. Más adelante, volverían a coincidir en “Nos habíamos amado tanto” y “La terraza”. Y, tras “La familia”, de nuevo trabajarían juntos en “La cena”.

“A mí edad uno ya no piensa, sólo recuerda”

Vittorio nos hace un maravilloso regalo con su extraordinaria y magnética composición de Carlo, su mágico personaje en esta entrañable familia. Una auténtica lección magistral de interpretación. Muy grande Vittorio Gassman... Y elegantísimo.

Andrea Occhipinti, que había debutado en el cine en 1980, llevaba ya nueve títulos cinematográficos (entre ellos, “Bolero”) y se había asomado además a la pequeña pantalla.

Pero fue con su papel del Carlo joven de “La familia” con el que se dio a conocer a nivel mundial, personaje al que Andrea transmitió todo su encanto personal. Tras “La familia”, Occhipinti continuó en la pequeña y gran pantalla con series como “Princesa Alexandra” y películas como “Más allá del jardín”, “Amor de hombre”, “Mar adentro” o “Reinas”.

Fanny Ardant hace también aquí un maravilloso papel como Adriana. Fanny, elegante actriz francesa y última musa y compañera del director François Truffaut, debutó en el cine en 1976 y ya llevaba tras de sí títulos como “Los unos y los otros”, “La mujer de al lado”, “Vivamente el Domingo”, “El amor de Swann” o “Consejo de familia”. En 1998 volvía a coincidir con Vittorio Gassman y Ettore Scola en “La cena”.

Jo Champa, actriz americana que daba vida a Adriana de joven, llevaba tan sólo un año en el mundo de la interpretación. Tras “La familia” siguió apareciendo en títulos como “Pequeño Buda” o “Don Juan DeMarco” así como en la pequeña pantalla.

Stefania Sandrelli era Beatriz, la hermana pequeña de Adriana y mujer de Carlo. Sandrelli ya era un rostro muy conocido del cine italiano, debutando en él en 1961 y habiendo intervenido ya en una larga lista de títulos clásicos: “Divorcio a la italiana”, “El conformista”, “Novecento”, “El gran atasco”...

Con Ettore Scola y con Vittorio Gassman había trabajado ya Stefania en “Nos habíamos amado tanto” y “La terraza”. Y tras “La familia”, volvería a coincidir de nuevo con ambos, y con Fanny Ardant, en “La cena”.

Giulio, el hermano pequeño de Carlo, era interpretado por Carlo Dapporto, actor que intervino en un total de 37 títulos cinematográficos, todos ellos italianos, siendo “La familia” el último de ellos. Y su hijo, Massimo Dapporto, daba vida a este mismo personaje en su juventud.

Y Adelina, la esposa de Giulio, era interpretada por Ottavia Piccolo, actriz de la gran y pequeña pantalla italiana que llevaba tras de sí títulos como “El gatopardo”, “Faustina” o “El Zorro”.

Completaban un impecable reparto, entre otros, Memè Perlini como Aristide, el padre de Carlo, y Hanja Kochansky como Susana, su madre. Y Athina Cenci, Alessandra Panelli y Monica Scattini como las peculiares tía Margarita, tía Luisa y tía Milina.

Y un excepcional Philippe Noiret en el corto pero efectivo papel de Jean Luc. Noiret, en el cine desde 1949, ya había intervenido en clásicos como “Zazie en el metro”, “La noche de los generales”, “Justine”, “El serpiente” o “La gran comilona”.

Tras “La familia” nos dejó dos maravillosos personajes: su Pablo Neruda en “El cartero (y Pablo Neruda)” y, por supuesto, su entrañable Alfredo de “Cinema Paradiso”.

“La familia debe empezar por nosotros mismos,

a la propia felicidad no se debe renunciar”

Entre otros premios y nominaciones, “La familia” fue candidata al Oscar a la mejor película extranjera (ganó la danesa “El festín de Babette”) y galardonada con el Globo de Oro a la mejor actriz (Stefania Sandrelli).

También obtuvo el David di Donatello a la mejor película, mejor director, mejor actor (Vittorio Gassman), mejor guión, mejor montaje y mejor música, siendo también nominada a la mejor actriz (Stefania Sandrelli), mejor fotografía, mejor diseño de vestuario, mejor producción, mejor diseño de producción y mejor sonido.

Y ya no os cuento más, aunque me permito un último añadido. Si ya la habéis visto, qué mejor momento que éste para conmemorar su 25 aniversario. Si aún no la conocéis, no perdáis la oportunidad de fundiros con toda su magia.

Porque “La familia” es una de esas películas que te hipnotizan desde su comienzo. De ésas que te atrapan rápidamente en su historia. De ésas en las que concentras todos tus sentidos durante todo su metraje. De ésas en las que, cuando llegan a su final, te alegras infinito de haber participado emocionalmente como espectador.

“Y así he llegado a los 80 años. ¿Son muchos, son pocos?

Puede resultar la edad más hermosa”

(Carlo)

Rogelio Hernández, una gran voz a toda pantalla

2012-01-12T21:04:00.012+01:00

“Tengo la impresión desde siempre que, salvo para unos pocos, la actividad de doblar películas ha sido y es algo desconocido y hasta cierto punto inherente, algo natural”

El pasado 31 de Diciembre se nos apagaba la voz de Rogelio Hernández, una de las más grandes figuras del doblaje español.

Rogelio Hernández Gaspar nació en Barcelona el 25 de Diciembre de 1930, comenzando en Madrid su carrera artística como actor de doblaje y ocasional actor teatral.

Rogelio prestó maravillosamente su voz a Michael Caine en “Zulú”, “”La batalla de Inglaterra”, “Alfie”, “Un trabajo en Italia”...

“Hannah y sus hermanas”, “Lío en Río”, “El cuarto protocolo”, “Mona Lisa”, “Evasión o victoria”...

“La huella”, “Las normas de la casa de la sidra”, “El americano impasible”... hasta un total de 41 títulos.

También nos deleitó a través de Paul Newman en “El zurdo”, “Traidor a su patria”, “El premio”, “Cortina rasgada”, “Dos hombres y un destino”...

“El golpe”, “El juez de la horca”, “Los indeseables”, “Casta invencible”, “Éxodo”...

“Veredicto final”, “Harry e hijo”, “Ni un pelo de tonto”, “El escándalo Blaze”, “Camino a la perdición”... hasta un total de 26 títulos.

Fue además un exquisito Marlon Brando en “¡Viva Zapata!”, “El último tango en París”, “Un tranvía llamado deseo”, “Rebelión a bordo”...

"La jauría humana”, “El rostro impenetrable”, “Dos seductores”, “Don Juan de Marco”... en un total de 22 títulos.

Y nos encandiló a través de Jack Nicholson en “Las brujas de Eastwick”, “El cartero siempre llama dos veces”, “Se acabó el pastel”, "Batman”, “La frontera”...

"La fuerza del cariño”, “Al filo de la noticia”, “Mejor... imposible”, “Mars Atacks!”, “El juramento”... en un total de 18 títulos.

Rogelio fue también Robert Duvall en “Confesiones verdaderas”, “Network, un mundo implacable”, “Acción civil”... Burt Reynolds en “Ciudad muy caliente”, “Mis problemas con las mujeres”, “Boogie Nights”... Y Jean Paul Belmondo en “El hombre de Río”, “Cartouche”, “As de ases”...

Fue Peter O’Toole en “Becket”, “Lord Jim”, “Amanecer zulú”, “La noche de los generales”, “Adiós, Mr. Chips”... Y Tony Curtis en “Taras Bulba”, “Con faldas y a lo loco”, “El truhán y su prenda”...

Richard Harris en “Cromwell”, “La venganza de un hombre llamado caballo”, “Llanto por la tierra amada”.... Bruce Dern en “La trama”, “Marnie, la ladrona”, “El regreso”... Gene Wilder en “El jovencito Frankenstein”, “El expreso de Chicago”, “La mujer de rojo”... Y Peter Sellers en “¿Qué tal, Pussycat?”, “Lolita”, “El regreso de la Pantera Rosa”...

Fue James Caan en “Funny lady”, “Ladrón”, “Lobos universitarios”... Jack Lemmon en “Días de vino y rosas”, “El apartamento”, “Desaparecido”... Y Oliver Reed en “Mujeres enamoradas”, “Botas duras, medias de seda”, “El león del desierto”...

John Cleese en “Un pez llamado Wanda”, “Criaturas feroces”, “Ratas a la carrera”... Y James Cromwell en “Space Cowboys”, “La milla verde”, “The queen (La Reina)”...

Rogelio también nos habló a través de Cary Grant en “Arsénico por compasión”, “Sospecha”, “Noche y día”, “La fiera de mi niña” y “Hubo una luna de miel”; John Cassavetes en “Donde la ciudad termina”, “Mi vida es mía”, “La furia”, “Doce del patíbulo” y “Pánico en el estadio”; y Montgomery Clift en “Yo confieso”, “Río Rojo”, “Vidas rebeldes” y “Vencedores o vencidos”.

Terence Hill en “La colina de las botas”, “Y en Nochebuena... ¡Se armó el Belén!”, “La cólera del viento” y “Marchar o morir”; Anthony Hopkins en “Motín a bordo”, “Las dos vidas de Audrey Rose”, “El búnker” y “Doble triunfo”; y Henry Fonda en “El club social de Cheyenne”, “Corazones indomables” y “Pasión de los fuertes”.

Fue también Robert Redford en “Brubaker”, “Los tres días del cóndor” y “Un diamante al rojo vivo”; Vittorio Gassman en “Rufufú da el golpe”, “La familia” y “Escipión, el africano”; y James Garner en “Victor o Victoria”, “Látigo” y “El potentado”.

Y Gary Cooper en “Buffalo Bill” y “Deseo”; Glenn Ford en “Los sobornados” y “Cimarrón”; Melvyn Douglas en “Ninotchka” y “Odio y orgullo”...

Bing Crosby en “Las campanas de Santa María” y “Aquí viene el novio”; Gene Kelly en “Levando anclas” y “Los tres mosqueteros”; Alan Alda en “El mismo año a la misma hora” y “Las cuatro estaciones”...

Intervino en el doblaje de más de mil películas prestando, entre otros, su voz a Jeffrey Hunter en “Centauros del desierto”, James Mason en “Ha nacido una estrella”, Marcello Mastroianni en “La gran comilona”, Roddy McDowall en “El póker de la muerte”, Patrick McGoohan en “Fuga de Alcatraz”...

Dirk Bogarde en “Portero de noche”, Ray Milland en “Piratas del Mar Caribe”, Ricardo Montalbán en “Huída del planeta de los simios”, Yves Montand en “Los raíles del crimen”, George Peppard en “La conquista del Oeste”...

George Chakiris en “West Side Story”, Michel Piccoli en “Belle de jour”, Ronald Pickup en “La Misión”, George Raft en “La pasión ciega”, Tony Randall en “Pijama para dos”, Edward G. Robinson en “Hampa dorada”...

Mischa Auer en “Vive como quieras”, John Saxon en “El jinete eléctrico”, Roy Scheider en “Marathon Man”, Maximilian Schell en “Topkapi”...

James Coburn en “Charada”, Frank Sinatra en “Can-Can”, Harry Dean Stanton en “Alien, el octavo pasajero”, Omar Shariff en “El oro de McKenna”...

Fue también Dana Andrews en “Laura”, Warren Beatty en “La primavera romana de la Sra Stone”, Tom Courtenay en “Doctor Zhivago”, Donald Sutherland en “La invasión de los ultracuerpos”, Leslie Nielsen en “Planeta prohibido”, Richard Widmark en “Un rayo de luz”...

En la historia del cine queda ya su maravilloso Stanley Kowalski...

su genuino Melvyn...

su íntegro Wyatt Earp...

su más que familiar Carlo...

su servicial C. C. Baxter...

su despistado David Huxley...

su encantador Butch...

su indomable Victor Franko...

su indefenso Rudolf Petersen...

su impecable Alfie...

El 1 de Febrero de 1986, en Barcelona, Rogelio recibía un premio por toda su carrera en la ceremonia de los Atriles de Oro de la gran noche del doblaje. Adoraba su profesión, en la que era muy merecidamente considerado como uno de los mejores.

Acabamos de estrenar el nuevo año en esta gran pantalla y ya nos falta Rogelio Hernández.... Gracias de todo corazón, maestro.

“El público va al cine a divertirse, a distraerse, a reírse, a pasar miedo, a emocionarse, y estoy convencido de que muy pocos comentarán al salir de la sala de exhibición ‘qué bien doblada está la película que hemos visto’, sino ‘qué buena película o qué mala o regular o, en fin, nos hemos distraído' "

(ROGELIO HERNÁNDEZ)

Día de Reyes. De ilusión también se vive

2012-01-06T00:09:00.004+01:00

Comenzamos con una espectacular sonrisa, Robert Redford en el set de rodaje de “El mejor” (1984). Practicando en su juventud también otros deportes como el esquí o el fútbol americano, Robert logró una beca universitaria gracias a sus buenas dotes para el béisbol, jugando además como pitcher en el equipo de la Universidad de Colorado. Ay, Redford... Me regalo tu foto.

Bela Lugosi y Boris Karloff en una simpática foto publicitaria de la película “The black cat” (1934), primero de los ocho títulos que rodaron juntos y mayor éxito de la Universal en ese año.

Miquel “Borgo” Zueras, sé que sabes que ésta es toda tuya.

Gene Kelly y Fred Astaire tan sólo coincidieron en la gran pantalla como bailarines en un impecable número musical llamado “The Babbit and the Bromide” perteneciente a la película de 1945 “The Ziegfeld Follies”, donde los dos actores daban vida... a Gene Kelly y a Fred Astaire. Dos excepcionales bailarines, dos figuras imprescindibles del musical americano que solían visitarse en los platós durante sus respectivos rodajes.

Para ti, natsnoC, y para toda tu Chez Morera.

Foto de familia durante el rodaje de “Los Teleñecos conquistan Manhattan” (1984), título en el que Frank Oz, director de la película, y Jim Henson aparecían en pequeños papeles.

Y foto que yo regalo, y cómo no, a Gustavo y a Fossie.

Audrey Hepburn en un descanso de la maravillosa “Desayuno con diamantes” (1961) ensayando su “Moon River”, versión preferida de Henry Mancini entre todas las que se hicieron de su mágico tema.

Sí, Jose Golightly, esta foto es para ti.

Robert Redford posando junto al oso de “Las aventuras de Jeremiah Johnson” (1972). Cine del bueno, Redford y naturaleza pura y dura...

A-B-C, toda tuya.

Jerome Robbins y Robert Wise ultimando detalles durante el rodaje de esa obra maestra del cine musical llamada “West Side Story” (1961).

Y la ilusión que te hace, deWitt, que te regale a ti esta foto...

Reparto de lujo y la autora de esta maravillosa historia en un descanso del rodaje de “Tomates verdes fritos” (1991).

Para ti, Layna. Y ya sabes, el secreto está en la salsa...

John Ford entre James Stewart y John Wayne en el set de rodaje de, por supuesto, “El hombre que mató a Liberty Valance” (1962),
clásico de lujo de la historia del cine.

Sí, Tirador Solitario, como cantaría otra de nuestras muy contadas coincidencias, From me to you.

El director George Roy Hill entre Paul Newman y Robert Redford, los dos protagonistas de “El golpe” (1973), segundo éxito cinematográfico de este trío de lujo tras “Dos hombres y un destino”.

¿Qué, A-B-C, Alicia, natsnoC, JLin... nos regalamos esta foto?

A mediados de los años 80, era elegida para interpretar a Isabeau en la mágica “Lady Halcón” (1985) Michelle Pfeiffer, sin duda alguna uno de los rostros más bellos de la gran pantalla.

Y qué menos que regalar semejante obra de arte a todo un ilustre pintor...
Sí, Mengs, para ti.

Cathy Downs y Henry Fonda, protagonistas de uno de los más entrañables bailes rodados por John Ford, en un descanso de rodaje
de la mítica “Pasión de los fuertes” (1946).

¿Acaso dudáis a quién regalo yo esta foto? Oh, my darling Clementine...

Cary Grant y Katharine Hepburn sacando a pasear a “Baby” entre toma y toma de “La fiera de mi niña” (1938). Toda para ti, JLin, que sé que te quedas también con el igualmente elegantísimo personaje central.

Frank Sinatra y Bing Crosby nos deleitaron en “Alta sociedad” (1956) con el magistral tema escrito por Cole Porter “Well, did you Evah”.

Claro, Marcos Callau, ésta es para ti. ¿Y para quién si no?

Mary Badham, Gregory Peck y Phillip Alford durante el rodaje de esa joya cinematográfica llamada “Matar un ruiseñor” (1962).

Te regalo esta foto, Robert Béjar y, por ser tú, también la banda sonora de esta maravillosa película.

Una pausa en el rodaje de “Los mejores años de nuestra vida” (1946). Dana Andrews ante unos expectantes Gregg Toland y William Wyler.

De momento, Cahiers, te regalo la foto. Y sí, tenlo por seguro, ya te llegará esa entrada.

Dos de las mejores sonrisas de la historia del cine en un descanso del rodaje de “Hasta que llegó su hora” (1968). Claudia Cardinale y Henry Fonda como el tremendo Frank...

Foto ésta que comparto, sin dudarlo, con JLin. Y es que Henry Fonda es capaz de conseguir cosas realmente buenas incluso haciendo de malo malísimo, ¿verdad, debilidad bloguera?

Otra sonrisa de lujo, la de Paul Newman durante el rodaje, a las órdenes de Mel Brooks, de “La última locura” (1976).

Sí, Alicia, ésta es toda para ti.

Kate Capshaw, Steven Spielberg, George Lucas
y Harrison Ford en un seguro que más que merecido descanso de
“Indiana Jones y el templo maldito” (1984).

Esta foto la dejo en abierto para que os la regaléis los que queráis, que intuyo que la querréis unos pocos. Pero, eso sí, yo me pido sentarme ahí a la derecha, justo al ladito de Indyyy....

Y nos vamos con esta elegantísima sonrisa que nos regala, a todos, Henry Fonda en un descanso del rodaje de “Escala en Hawai” (1955). Fonda sentía un especial cariño hacia Mr. Roberts, su personaje en esta película, pues lo había representado primero en teatro durante un exitoso período de tres años (no se perdió una sola función) y, más adelante y contra todo pronóstico, conseguía llevarlo también a la gran pantalla. Hoy, su Mr. Roberts es un personaje antológico de la historia del cine. Thank you, Mr. Fonda.

¡Feliz y cinéfilo Día de Reyes a todos!

Salvatore "Totò" Cascio

2012-01-02T00:03:00.006+01:00

“Hagas lo que hagas, ámalo.

Como amabas la cabina del Paradiso cuando eras niño”

En 1988, Giuseppe Tornatore le hacía un exquisito y emotivo homenaje al Séptimo Arte. Su película, “Cinema Paradiso”, nos contaba una maravillosa historia a través de un magistral guión escrito por el propio director siciliano.

Tornatore contaba también en este proyecto con una de las más grandiosas y mágicas bandas sonoras de la historia del cine que firmaba un gran maestro en la materia, el extraordinario Ennio Morricone.

Y con un excepcional reparto encabezado por Philippe Noiret, Jacques Perrin, Leopoldo Trieste, Marco Leonardi...

Y Salvatore Cascio, un pequeño gran actor que a los ocho años, por su naturalidad y por su simpatía, era elegido para interpretar a Totò, el maravilloso niño de esta preciosa historia.

Nacido el 8 de Noviembre de 1979 en Palazzo Adriano, Palermo (Italia), Salvatore había debutado ya en la televisión italiana en pequeños gags del programa ideado y conducido en el Canale 5 por el cómico Maurizio Constanzo.

Dos años después de su gran descubrimiento en “Cinema Paradiso”, Cascio compartió cartel con Peter Ustinov en la comedia “C’era un castello con 40 cani”.

Y con Franco Nero, Vannesa Redgrave y Fernando Rey en “Diceria dell’ untore”.

Ese mismo año, dirigido de nuevo por Giuseppe Tornatore, Salvatore actuaba, junto a Marcello Mastroianni, en otra maravillosa historia llamada “Están todos bien” (Stanno tutti bene).

Tras participar en 1991, junto a Massimo Ranieri, en la miniserie televisiva “Il ricatto 2”, aparecía en la comedia ubicada en el Vaticano “The Pope must die”.

Un año más tarde compartía cartel con Adriano Celentano, Christopher Lee y Carroll Baker en la italofrancesa comedia de ciencia-ficción “Jackpot”...

... retirándose después de las pantallas para dedicarse a sus estudios y reapareciendo en 1999 en el thriller “Il morso del serpente”. Y en 2005 rodaba, junto a Bud Spencer, su último trabajo hasta la fecha, “Padre Speranza”.

Por su excepcional interpretación en “Cinema Paradiso”, el pequeño Salvatore obtuvo muy merecidamente el británico Premio Bafta como mejor actor secundario, haciéndose con el galardón sobre Alan Alda (“Delitos y faltas”), Al Pacino (“Dick Tracy”) y John Hurt (“El prado”).

También le fue otorgado por este papel el Special Award al mejor actor infantil en los Young Artist Award.

Y es que para la historia del cine, y para nosotros, Salvatore Cascio siempre será el pícaro y avispado Totò, sin duda alguna uno de los personajes más entrañables de la gran pantalla.

“Alfredo, no lo entiendo... Si los cortes son míos,

¿por qué tienes que guardarlos tú?”

(Totò en “Cinema Paradiso”)

¡¡¡ FELIZ 2012 !!!

2012-01-01T00:20:00.003+01:00

Tomates verdes fritos

2011-12-27T10:32:00.000+01:00

En 1987, la actriz y escritora Fannie Flagg publicaba la novela “Fried green tomatoes at the Whistle Stop Cafe”, una mágica historia que tenía lugar en Alabama, estado natal de la escritora.

El 27 de Diciembre de 1991, hace hoy ya 20 años, se estrenaba “Tomates verdes fritos” (Fried green tomatoes), maravillosa adaptación a la gran pantalla de la citada novela.

Procedente del mundo televisivo, Jon Avnet debutaba por la puerta grande en la dirección cinematográfica con esta película. Producida por el propio Avnet para Universal Pictures, “Tomates verdes fritos” contaba además con un excelente guión escrito por Fannie Flagg y Carol Sobieski.

Y con una extraordinaria e inolvidable banda sonora que firmaba Thomas Newman, hijo del gran compositor Alfred Newman (“Cumbres Borrascosas”, “Eva al desnudo” o “La conquista del Oeste”) y primo del no menos conocido Randy Newman (“Ragtime”, “El mejor” o “Toy Story”).

Thomas Newman nos regalaría después otras joyas musicales como “Cadena perpetua”, “Íntimo y personal” o “El hombre que susurraba a los caballos”.

“Tomates verdes fritos” contaba también con un inmejorable reparto encabezado por cuatro excepcionales actrices que nos adentraban de manera magistral en esta mágica historia.

Kathy Bates era para nosotros una maravillosa Evelyn Couch. Kathy ya era conocida por el público americano por su participación en series televisivas como “Vacaciones en el mar”, “Hospital General” o “La ley de Los Ángeles” y en títulos cinematográficos como “A la mañana siguiente”, “Dick Tracy”, “Misery” (papel por el que obtuvo el Oscar a la mejor actriz) o “Sombras y niebla”.

Mary Stuart Masterson nos presentaba el personaje más mágico de la película, la “encantadora de abejas” Idgie Threadgoode. Masterson debutó en el cine en 1975 y ya había aparecido en “Hombres frente a frente”, “Jardines de piedra” o “Mr. North”. Dos años después de “Tomates verdes fritos”, Mary nos regalaría otro personaje mágico en “Benny & Joon”, junto a un maravilloso Johnny Depp.

La mejor amiga de Idgie, Ruth Jamison, era impecablemente interpretada por Mary-Louise Parker, a quien ese mismo año habíamos visto en “Gran Canyon”. Tres años después de dar vida a Ruth, Parker era dirigida por Woody Allen en “Balas sobre Broadway”.

Y Jessica Tandy, como la entrañable Ninny Threadgoode, redondeaba el insuperable cuarteto de actrices. Excepcional y elegantísima actriz británica que debutaba en la gran pantalla en 1932, Tandy ya llevaba tras de sí una larga lista de titulos clásicos como “El castillo de Dragonwyck”, “Ambiciosa” o “Los pájaros” y otros tantos más modernos como “El mundo según Garp”, “Cocoon” o “Paseando a miss Daisy”, papel este último por el que obtuvo muy merecidamente el Oscar a la mejor actriz.

Completaban un maravilloso reparto, entre otros, Timothy Scott como Smokey, Stan Shaw como Big George, Cicely Tyson como Sipsey y Chris O’Donnell como Buddy, el hermano mayor de Idgie.

Y Fannie Flag, la autora de esta historia, que hacía en la película un pequeño papel como la profesora matrimonial de Evelyn.

Entre muchos otros premios y nominaciones, “Tomates verdes fritos” fue candidata al Oscar a la mejor actriz secundaria (Jessica Tandy) y mejor guión adaptado. Los británicos Premios Bafta la nominaron en las categorías de mejor actriz (Jessica Tandy) y mejor actriz secundaria (Kathy Bates). Y en los Globos de Oro recibió tres nominaciones: mejor película, mejor actriz (Kathy Bates) y mejor actriz secundaria (Jessica Tandy).

Durante el rodaje de la película, Jon Avnet se refería a Mary-Louise Parker como Lou y a Mary Stuart Masterson como Stu con el objetivo de diferenciarlas por tener ambas actrices unos nombres tan similares.

La inspiración del ya legendario Whistle Stop Cafe de “Tomates verdes fritos” venía del Irondale Cafe, ubicado en el suburbio de Birmingham (Alabama) donde creció la autora del libro que sirvió de base para la película. Los tomates verdes fritos era uno de sus platos más populares.

El secreto de la vida... El secreto está en la salsa. Y en cuatro maravillosas actrices que nos regalaron cuatro personajes realmente mágicos.

Los Teleñecos en Cuento de Navidad

2011-12-24T00:26:00.000+01:00

A principios de los años 90, Jim Henson Productions y Walt Disney Pictures se unían para sacar adelante uno de los proyectos cinematográficos más mágicos de ese año, “Los Teleñecos en Cuento de Navidad”.

¿Sabéis? Yo estuve presente en el rodaje de esta película que, producida por Martin G. Baker y Brian Henson (hijo, nada menos, que del creador de los Muppet), contaba con una encantadora banda sonora que firmaban Paul Williams y Miles Goodman.

It feels like Christmas

“Los Teleñecos en Cuento de Navidad” ("The Muppet Christmas Carol') se estrenaba el 11 de Diciembre de 1992. Dirigida por el propio Brian Henson, lucía un brillante guión firmado por Jerry Juhl que estaba a su vez basado en la maravillosa novela “A Christmas Carol” ("Cuento de Navidad") de Charles Dickens.

El deseo de incorporar la prosa de Dickens a la película llevó al equipo a la genial idea de utilizar a los personajes de Gonzo y Rizzo como narradores de esta historia. Fue una auténtica delicia para mí ver trabajar a estos dos profesionales y disfrutar con ellos de infinidad de divertidísimas tomas falsas.

¡Paparruchas!

David Hemmings, Ron Moody, David Warner y George Carlin fueron algunos de los nombres que se barajaron a la hora de buscar al actor adecuado para dar vida al temido Ebenezer Scrooge.

Scrooge

La elección recayó finalmente en Michael Caine quien, tras “¡Qué ruina de función!” y “Seducción peligrosa”, redondeaba ese año de 1992 compartiendo cartel con los Muppet.

Para Michael este personaje ha sido siempre uno de los más memorables de toda su carrera.

One more sleep till Christmas

“Los Teleñecos en Cuento de Navidad” fue el primer largometraje de los Muppet en el que Kermit no hablaba a través de la voz de Jim Henson, quien nos había dejado, muy tristemente, dos años atrás.

Steve Whitmire tuvo el inmenso honor de sustituirle en esta tarea. Además de a Bob Cratchit (el personaje de Kermit en esta película), Whitmire prestó también su voz a los personajes de Rizzo y de Belinda Cratchit.

Marley and Marley

Dave Goetz, por su parte, habló para nosotros a través de Gonzo-Charles Dickens, Robert Marley y Betina Cratchit.

Christmas Scat

A los personajes de Tiny Tim, Jacob Marley y el Fantasma de las Navidades Presentes les prestó su voz Jerry Nelson.

Bless us all

Frank Oz fue Emily Cratchit (el personaje de Miss Piggy) y Fozziewig (el personaje del Oso Fozzie). Y David Rudman le prestó su voz a Peter Cratchit.

Aún os puedo contar más cosas. Veréis, al principio de la película aparece una tienda de libros llamada “Duncan & Kenworthy”.

Duncan Kenworthy ha sido productor junto a Jim Henson de maravillas como “Cristal Oscuro” o la mágica serie de televisión “Fraggle Rock”. Pero ahí no queda todo. En esa misma escena de “Los Teleñecos en Cuento de Navidad”, asomado a una ventana, podemos ver a Sprockett, sí, sí, el genuino perro que convive, muy a su pesar, con los Fraggle.

Hacia el final de la película divisamos una taberna donde se puede leer “Statler & Waldorf”. Estos dos nombres corresponden a estos dos geniales viejecillos de la gran familia de los Muppet que vemos arriba y que, además, aparecen en “Los Teleñecos en Cuento de Navidad” como Jacob y Robert Marley.

Y también os puedo contar que esta película está dedicada a Jim Henson y a Richard Hunt. Hunt, una de las ilustres voces que nos hablaron a través de estos maravillosos Muppet, se nos había ido ese mismo año de 1992.

Thankful heart

Ah, y una última curiosidad. Precisamente en esta escena que recoge este mágico tema llamado “Thankful heart” aparece una tienda que lleva el nombre de Mickelwhite. Y éste es precisamente mi nombre real, Maurice Joseph Mickelwhite.

... Aunque para vosotros siempre seré Michael Caine.

¡¡¡ Y Muy Feliz Navidad,

mis queridos y cinéfilos lectores !!!

The children's hour. Wyler y Hellman en sesión doble

2011-12-19T19:08:00.000+01:00

“Entre la oscuridad y la luz del día,

cuando la noche comienza a desaparecer,

viene una pausa en las ocupaciones diarias

que se conoce como la hora de los niños”

(Estrofa inicial de “The children’s hour” poema del escritor americano Henry Wadsworth Longfellow publicado en 1860 en “The Atlantic Monthly” )

El 20 de Noviembre de 1934 era estrenada en el Maxine Elliot’s Theatre en Broadway “The children’s hour”, exitosa obra teatral escrita por Lillian Hellman que llegó a las 691 representaciones.

Esta obra estaba inspirada en un caso real ocurrido en 1810 en Edimburgo (Escocia), en el que dos maestras de escuela, Jane Pirie y Marianne Woods, eran falsamente acusadas por Jane Gordon, una de sus alumnas, de mantener una relación sentimental. Dame Cumming Gordon, la abuela de la niña, influía activamente en el hecho de que los padres de las alumnas restantes se apresuraran a sacar a éstas del colegio, siendo éste cerrado y presentando las maestras posteriormente una demanda por difamación contra la abuela de la criatura. Ganaron el caso las maestras, pero su vida y su reputación quedaron ya prácticamente destruídas.

El también escritor Dashiell Hammett, entonces compañero sentimental de Lillian Hellman, fue quien le dio a conocer esta historia, apresurándose ella a convertirla en obra de teatro, representación escénica que no careció de controversia en su estreno por el espinoso tema que trataba.

El productor Samuel Goldwyn vio en esta historia un buen proyecto cinematográfico y eligió a William Wyler como director del mismo. La propia Lillian Hellman adaptó su obra como guión para la gran pantalla, convirtiéndose ésta en la primera ocasión en la que ella trabajaba con William Wyler, formando sin duda alguna uno de los tándem más fructíferos y exquisitos de la historia del cine.

Debido al tema al que hacía referencia la obra, la Oficina Hays se negó a permitir el título original ni ninguna mención en la película o en la publicidad de la misma. En un primer lugar, la película fue titulada “La mentira” antes de ser cambiada definitivamente por “Esos tres”.

En la obra, la niña lanzaba la mentira de la relación sentimental entre las dos maestras. En la película, esta mentira tuvo que ser cambiada por la supuesta relación sentimental de ambas mujeres con el protagonista masculino, oficialmente novio de una de ellas. A Hellman le pareció bien este cambio al considerar que lo fundamental de esta historia eran las tremendas consecuencias que traía consigo esta calumnia más que lo que trataba la calumnia en sí.

Para la banda sonora de la película se contó con Alfred Newman, gran compositor cinematográfico que tras este título nos dejó otras maravillas musicales como “Cumbres borrascosas”, “¡Qué verde era mi valle!”, “Eva al desnudo” o “La historia más grande jamás contada”.

Y en la fotografía, otro nombre que comenzaba aquí su singular carrera con William Wyler. Gregg Toland ya nos había regalado la imagen de títulos como “Flor del desierto”, “La reina Kelly” o “Noche nupcial”. “Esos tres” suponía el primero de los siete títulos que firmaría junto a Wyler.

Merle Oberon hizo su debut cinematográfico en 1929 y llevaba ya en su carrera títulos como “La vida privada de Enrique VIII”, “La pimpinela escarlata” o “El ángel de las tinieblas” cuando fue elegida para interpretar a Karen Wright, una de las dos maestras de la escuela.

Miriam Hopkins, Martha Dobie, la otra maestra de esta historia, llevaba un año menos en el cine pero ya había sido dirigida por Rouben Mamoulian en “El hombre y el monstruo”, por Ernst Lubitsch en “Un ladrón en la alcoba” y “Una mujer para dos” y por el propio William Wyler (finalmente sustituido por Howard Hawks) en “Ciudad sin ley”.

William Wyler quería para el personaje del doctor Joseph Cardin al actor Leslie Howard, pero fue elegido en su lugar Joel McCrea, rostro ya conocido en la gran pantalla americana a través de títulos como “Ave del paraíso”, “Tentación” o “Ciudad sin ley”.

Catherine Doucet, actriz americana procedente del mundo teatral, era en “Esos tres” Lily Mortar, la insufrible tía de Martha.

Alma Kruger, otra gran figura teatral, hacía aquí un impecable debut cinematográfico como Amelia Tilford, la abuela de la niña acusadora.

Niña que llevaba el nombre de Mary Tilford y era extraordinariamente interpretada por Bonita Granville, muy acertadamente elegida por el propio Wyler entre una larga lista de candidatas.

Granville debutó en el cine a los nueve años de edad, interviniendo en títulos como “Las cuatro hermanitas”, “Canción de cuna” o “Anne of Green Gables” antes de hacerse mundialmente conocida como Mary Tilford, papel que la hizo merecedora de una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria.

La otra niña de esta historia, Rosalie Wells, era magníficamente interpretada por Marcia Mae Jones, actriz infantil que debutó en 1926 y participó también en títulos como “El rey del jazz”, “El campeón” o “Imitación a la vida”.

Agatha, sufrida mujer al servicio de la señora Tilford, que intentaba, sin conseguirlo, educar a la rebelde Mary, era interpretada por Margaret Hamilton, excelente actriz de reparto ya conocida por títulos como “Estrictamente confidencial”, “Contrastes” o “A través de la tormenta” que, tres años después, nos regalaría su personaje más celebrado, la Malvada Bruja del Oeste de “El mago de Oz”.

Y Walter Brennan componía un breve pero singular personaje (y cómo no) como el taxista del pueblo. Brennan, en la gran pantalla desde 1925, llevaba ya un total de 134 títulos cinematográficos. “El rey del jazz” (donde coincidió con Marcia Mae Jones), “El ciclón tejano”, “Camino de la horca”, “El hombre invisible”, “La novia de Frankenstein” o “Ciudad sin ley” (donde coincidió con Miriam Hopkins y Joel McCrea), son tan sólo algunos de ellos.

“Esos tres” (These three) se estrenaba, hace ya 75 años, el 18 de Marzo de 1936.

Y hace hoy 50 años, el 19 de Diciembre de 1961, era estrenada “La calumnia” (The children’s hour), vuelta a esta misma historia, a través de un guión escrito por John Michael Hayes bajo la supervisión de Lillian Hellman, en la que Wyler pudo finalmente tratar el mismo tema que trató en su día la obra teatral que le daba nombre.

Dirigida y producida por William Wyler para The Mirisch Company, esta nueva versión contaba con el arte musical de otro ilustre compositor cinematográfico, Alex North, que ya nos había regalado, entre otras, las bandas sonoras de “Un tranvía llamado deseo”, “Espartaco” o “Vidas rebeldes”.

Y con la fotografía en blanco y negro de Franz Planer, otro nombre a tener en cuenta que nos había ya maravillado con las imágenes de títulos como “Carta de una desconocida”, “Cyrano de Bergerac” y “Horizontes de grandeza”. Planer había también coincidido anteriormente con Audrey Hepburn en “Vacaciones en Roma”, “Historia de una monja” y “Desayuno con diamantes”.

Para dar vida a Karen Wright en esta nueva versión fue elegida Audrey Hepburn, quien dos años después de debutar en la gran pantalla se hizo con el Oscar a la mejor actriz por “Vacaciones en Roma”, dirigida, precisamente, por William Wyler. Título éste al que seguirían otros como “Sabrina”, “Guerra y paz”, “Una cara con ángel”, “Ariane”, “Historia de una monja” o “Desayuno con diamantes” antes de “La calumnia”.

Shirley MacLaine era en esta historia Martha Dobie, la otra protagonista. Mac Laine llevaba en el cine desde 1955, año en el que debutó con “Pero... ¿quién mató a Harry?” a las órdenes nada menos que de Alfred Hitchcock, y ya nos había convencido como excelente actriz tanto en drama como en comedia, e incluso en el género musical, con títulos como “Can-Can”, “Como un torrente” o “El apartamento”.

James Garner, entonces conocido gracias a la pequeña pantalla y títulos cinematográficos como “Sayonara”, “La escuadrilla Lafayette” o “Infierno bajo las aguas”, era el encargado de interpretar al doctor Joe Cardin, tercer personaje en discordia.

Miriam Hopkins, que había encarnado a Martha Dobie en la versión anterior de 1936, era aquí Lily Mortar, la insufrible tía de Martha. Entre ambas versiones, Hopkins había vuelto a trabajar con Wyler en “La heredera” y “Carrie”.

William Wyler le ofreció en un primer lugar a Merle Oberon, que había interpretado en la primera versión a Karen Wright, el papel de Amelia Tilford, la abuela de la niña. Wyler pretendía con esto homenajear a las dos actrices haciéndoles partícipes también de esta nueva versión. Pero Merle desestimó este proyecto por no querer interpretar un personaje de edad tan avanzada.

Y así fue finalmente elegida para este papel Fay Bainter, entonces actriz teatral de reconocido prestigio, que había dejado ya su huella en películas como “Olivia”, “Jezabel”, “El joven Edison” o “La mujer del año” y en la pequeña pantalla.

Karen Balkin debutaba en “La calumnia” como la consentida Mary Tilford. En este caso, la elección de esta pequeña actriz no fue tan acertada. El propio Wyler reconoció que ni siquiera él fue capaz de controlar sus exagerados gestos.

Por el contrario, Veronica Cartwright, que procedía de la pequeña pantalla y hacía aquí su primer papel relevante, sí nos ofrecía una correcta Rosalie Wells.

Mismo caso que Hope Summers como Agatha, la criada. Versátil actriz procedente del mundo televisivo, Summers ya había aparecido en la gran pantalla en títulos como “Ella, él y Asta”, “Quiero vivir” o “La herencia del viento”.

“La calumnia” recibió cinco nominaciones en los Premios Oscar: mejor actriz secundaria (Fay Bainter), mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor diseño de vestuario y mejor sonido.

Y otras tres en los Globos de Oro: mejor director, mejor actriz (Shirley MacLaine) y mejor actriz secundaria (Fay Bainter).

“Era el director más grande de América. Tenía un sentido pictórico maravilloso, sabía cómo meter tanto en una toma, que me parecía que yo podía dejar de decir algunas cosas, porque sabía que Wyler haría que se vieran. Tuvimos que hacernos amigos por fuerza, porque éramos las dos únicas personas del manicomio Goldwyn que no estábamos completamente chifladas”

(Lillian Hellman)

Aniversarios a toda pantalla 2011

2011-12-16T09:05:00.006+01:00

A principios de este 2011 celebrábamos el 5 de Enero con Robert Duvall su 80 aniversario. Actor con mayúsculas que ha sido un soberbio Eisenhower en la pequeña pantalla, a la que también se ha asomado a través de series como “Los intocables”, “El virginiano” o “El fugitivo”.

Duvall ha enriquecido asimismo con su presencia títulos cinematográficos como “La jauría humana”, “Bullit”, “Valor de ley”, “Network” o “El mejor”. Ha formado pareja de lujo con Robert De Niro en “Confesiones verdaderas”, con Kevin Costner en “Open Range” y con Michael Caine en “El secreto de los McCann”.

Y nos ha regalado personajes cinematográficos de antología como su “Bull” Meechum de “El don del coraje”, su Daddy Hillyer de “El precio de la ambición”, su Tom Hagen de “El Padrino I y II”... Y su mágico Boo Radley de “Matar un ruiseñor”, su maravillosa primera aparición en la gran pantalla. Felices 80, magistral Robert.

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Casi un mes después, el 1 de Febrero, conmemorábamos el 50 aniversario de “Vidas rebeldes”, título mítico de la gran pantalla.

Dirección y guión de lujo a cargo de John Huston y Arthur Miller, respectivamente, que arropaban a un trío no menos mítico de protagonistas: Clark Gable, Marilyn Monroe y Montgomery Clift, al que rodeaban actores de la talla de Elli Wallach o Thelma Ritter. Cine en su mayor pureza.

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El 16 de Marzo celebrábamos, con todos los honores, el 85 aniversario de Jerry Lewis. Actor, director, guionista, inagotable fuente de gags, showman en toda regla... Artista en el más amplio sentido de la palabra que nos ha dejado un sinfín de momentos únicos en el cine.

Un chiflado profesor, un ceniciento, un genuino botones, que tan pronto andaba loco por Anita como montando un buen lío en unos grandes almacenes... Con este rey de la comedia el mundo está loco, loco, loco... Muy felices 85, Jerry.

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Hace ya 60 años, el 10 de Abril de 1951, se estrenaba “El hidalgo de los mares”, clásico entre los clásicos del cine de aventuras.

Capitaneada por un impresionante Gregory Peck al que acompañaban otros nombres del cine como Virginia Mayo, Stanley Baker y Christopher Lee, esta película estaba, además, dirigida nada menos que por Raoul Walsh, un gran maestro en la materia.

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El 6 de Mayo felicitábamos a George Clooney por su medio siglo de existencia. Y por “Abierto hasta el amanecer”, “O Brother!”, “Ocean’s eleven“, “Buenas noches y buena suerte”, “El buen alemán”, “Michael Clayton”, “Up in the air”...

De sus comienzos en la pequeña pantalla en series como “Centennial”, “Hotel”, “Se ha escrito un crimen”, “Las chicas de oro“, “Roseanne”... y, por supuesto, “Urgencias”, a ocupar un merecido lugar en la historia del cine. Lo dicho, felicidades, George.

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A Alfredo Mayo le recordábamos el 17 de Mayo en el centenario de su nacimiento. Figura legendaria de nuestro cine desde su debut, en 1935, al que fue añadiendo títulos como “Raza”, “¡A mí la legión!”, “El último cuplé”, “15 bajo la lona”, “Cincuenta y cinco días en Pekín”, “La caza”, “El bosque del lobo”, “Patrimonio nacional”, “Bearn o la sala de las muñecas”, “Luces de bohemia”...

Y figura no menos importante de nuestra escena y de nuestra pequeña pantalla apareciendo en series como “Cuentos y leyendas”, “Este señor de negro”, “Curro Jiménez”, “El mayorazgo de Labraz”, “Las pícaras”, “Goya”, “La huella del crimen”... Y dejándonos a su maravilloso Tío Palomo de “Cañas y barro”. Gracias, Alfredo, por regalarnos tu arte, tu profesionalidad y tu elegancia.

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A Natalie Portman la felicitábamos el 9 de Junio por su 30 aniversario. De ella nos quedamos ya prendados en su debut cinematográfico, a sus treces años de edad, en “El profesional”. Dos años después nos volvía a enamorar en “Beautiful girls”.

Ha sido la guapísima Reina Amidala de “Star Wars. La amenaza fantasma” y nos ha seguido acompañando con su buen hacer y con su belleza en “Cold montain” y en “Los fantasmas de Goya”. Un maravilloso cisne negro. Felices 30, Natalie.

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El 20 de Junio celebrábamos con los hermanos Marx, y con su inseparable Margaret Dumont, el 70 aniversario de su “Tienda de locos”, mítico y divertidísimo título de la historia del cine dirigido por Charles Reisner.

Ravelli, Flywheel y Wacky... Tres personajes de lo más genuino salidos de esta locura de película y del ingenio privilegiado de estos inolvidables hermanos cinematográficos.

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Recordábamos a Ginger Rogers el 16 de Julio en el centenario de su nacimiento. Ginger nos ofreció buenas interpretaciones dramáticas en “Damas del teatro” o “Seis destinos” y su cara más divertida en “El mayor y la menor” o en “Me siento rejuvenecer”.

Y, por supuesto, también nos dejó su maravillosa huella, junto a Fred Astaire, en el cine musical. “Carioca”, “El Continental”, “I won’t dance”, “Cheek to cheek”, “Let’s face the music and dance”, “Pick yourself up”, “Shall we dance”, “The Yam”, “The Piccolino”... Gracias, Ginger.

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El 21 de Agosto se cumplían 20 años del estreno de “Barton Fink”, uno de los títulos más interesantes en la filmografía de los hermanos Coen.

A través de un excelente guión firmado por los propios Joel y Ethan Coen, acompañamos al protagonista de esta historia, Barton Fink, un escritor teatral que es contratado como guionista en Hollywood a principios de los años 40. Un excepcional John Turturro en el papel principal, secundado por un no menos magnífico John Goodman redondean esta excelente película.

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“La mujer del teniente francés” celebraba también el pasado 18 de Septiembre el 40 aniversario de su estreno en los Estados Unidos. El director checoslovaco Karel Reisz nos contaba aquí una apasionante historia en la que se mezclan dos actores con los personajes que interpretan.

La novela homónima de John Fowles servía como base al espléndido guión de Harold Pinter. Y el excepcional trabajo de Meryl Streep y Jeremy Irons hacía el resto. Maravilloso título del cine británico.

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El 28 de Octubre conmemorábamos el 70 aniversario de “¡Qué verde era mi valle!”, uno de los títulos más clásicos del cine y una de las obras más fundamentales en la filmografía de John Ford.

La novela de Richard Llewelyn hacía posible este proyecto cinematográfico que nos acercaba a la familia Morgan a través de un reparto de lujo encabezado por un extraordinario Donald Crisp y unos no menos fantásticos Roddy McDowall, Sara Allgood, Maureen O'Hara, Barry Fitzgerald y Walter Pidgeon.

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“Ragtime” celebraba el 20 de Noviembre el 30 aniversario de su estreno. Espléndido film dirigido por Milos Forman basado en la novela de E. L. Doctorow y en una historia de Heinrich von Kleist.

Y un reparto de auténtico lujo en el que figuraban, además de un extraordinario James Cagney, Moses Gunn, Elizabeth McGovern, Pat O’Brien, Donald O’Connor, Howard G. Rollins Jr., Mary Steenburgen, Samuel L. Jackson...

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El 2 de Diciembre se cumplían 70 años del estreno de “Bola de fuego”, inolvidable clásico dirigido por ese gran maestro llamado Howard Hawks.

Gary Cooper, Barbara Stanwyck y un espléndido elenco de actores que daba vida a un mágico grupo de entrañables profesores se unían a un impecable guión firmado por Charles Brackett y Billy Wilder para conseguir, irremediablemente, una perfecta comedia cinematográfica.

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Y “El año de las luces” celebraba el pasado 5 de Diciembre su 25 aniversario. Una historia de Manuel Huete se convertía en un exquisito guión de Rafael Azcona y Fernando Trueba que este último dirigía para la gran pantalla.

Jorge Sanz, Maribel Verdú, Verónica Forqué, Manuel Alexandre, Santiago Ramos, Rafaela Aparicio, Violeta Cela, José Sazatornil, Chus Lampreave, Diana Peñalver... Cine español con muy buena factura.

Y con este año de las luces terminamos el repaso a este otro año de 2011 que ahora se nos acaba.

THE END

Vencedores o vencidos

2011-12-14T01:24:00.009+01:00

El 16 de Abril de 1959 se emitía en la televisión norteamericana una producción cuyo guión, firmado por Abby Mann, trataba sobre los juicios de crímenes de guerra de Nuremberg.

En 1961, Stanley Kramer producía para United Artists, y para la gran pantalla, “Vencedores o vencidos”, una magistral película que contaba con una excelente adaptación cinematográfica del propio Abby Mann de su citado guión televisivo.

Stanley Kramer había debutado como director en 1955 con “No serás un extraño”. Vendrían después “Orgullo y pasión”, “Fugitivos”, “La hora final” y “La herencia del viento” antes de “Vencedores o vencidos”.

La impecable dirección de Kramer y el exquisito guión de Mann se veían completados con la maestría de Ernest Laszlo en la fotografía, de Frederic Knudtson en el montaje y de Ernest Gold en la banda sonora.

Y con un incomparable reparto que venía encabezado por un extraordinario Spencer Tracy, quien acababa de trabajar a las órdenes de Stanley Kramer en “La herencia del viento” y volvería a hacerlo dos años después en “El mundo está loco, loco, loco”. Kramer también le dirigiría en su última y magistral interpretación en la maravillosa “Adivina quién viene esta noche”.

El discurso final de once minutos de duración del Juez Dan Haywood que nos presenta el actor fue rodado en una sola toma. Muy grande Tracy.

Marlon Brando estaba interesado en interpretar el papel de Hans Rolfe, el abogado de los personajes alemanes de la historia. A Kramer y a Mann les cautivaba la idea de que Brando apareciese en la película, pero ambos habían quedado ya impresionados con la interpretación que de este mismo personaje había hecho dos años atrás en la producción televisiva un aún desconocido pero convincente actor.

Y así fue elegido para este papel el actor austríaco Maximilian Schell. Buena elección que se vio recompensada con un Oscar de la Academia.

El 26 de Marzo de 2001, y durante 56 representaciones, Schell volvía a encontrarse con esta historia, aunque en los escenarios teatrales de Broadway y en la piel esta vez del personaje que interpretó en el cine Burt Lancaster.

Richard Widmark ya llevaba en la gran pantalla desde 1947 y ya le habíamos visto, entre otros géneros, en el cine negro (“El beso de la muerte”, “La calle sin nombre”, “Pánico en las calles”) y en el western (“Cielo amarillo”, “Lanza rota”, “Dos cabalgan juntos”).

Widmark daba vida al fiscal Tal Lawson. Otra más que correcta interpretación a añadir a su ya fructífera carrera cinematográfica.

Para encarnar al personaje de Ernst Janning la opción original fue Laurence Olivier. Finalmente, fue elegido Burt Lancaster, que llevaba ya a sus espaldas títulos como “Forajidos”, “De aquí a la eternidad”. “Mesas separadas” o “El fuego y la palabra”. Lancaster está espléndido también en su personaje.

Al igual que Marlene Dietrich como Mrs. Bertholt, personaje de la que sería su penúltima película tras dejarnos, desde 1919, otros títulos tan clásicos como “El ángel azul”, “Marruecos”, “Testigo de cargo” o “Sed de mal”.

Otro mito de la gran pantalla, Judy Garland, hacía aquí una pequeña pero muy convincente interpretación como Irene Hoffman tras habernos dejado una huella imborrable en el género del cine musical a través de películas como “El mago de Oz”, “Los hijos de la farándula” o “Ha nacido una estrella”.

Y Montgomery Clift nos ofrecía una creación extraordinaria de su Rudolf Petersen. Durante el rodaje de su breve escena, el actor tuvo serios problemas para recordar su texto, por lo que se hicieron repetidas tomas de su secuencia.

Finalmente, Stanley Kramer decidió darle cierta libertad en las líneas de sus frases, comentando con él que eso le aportaría una especial autenticidad a la confusión de su personaje al ser interrogado.

“Monty se mostró entonces más tranquilo. No siempre se ajustaba al guión, pero todo lo que decía encajaba a la perfección, consiguiendo una interpretación tan buena como yo había esperado de él”

“Vencedores o vencidos” fue filmada en la misma ciudad de Nuremberg. Y el 14 de Diciembre de 1961, hace hoy ya 50 años, tenía lugar su estreno en Berlín, al que acudió un gran número de periodistas llevados por el propio Stanley Kramer desde América.

Entre otros premios y nominaciones, “Vencedores o vencidos” recibió el Oscar al mejor actor (Maximilian Schell) y mejor guión adaptado, siendo también nominada a la mejor película, mejor director, mejor actor (Spencer Tracy), mejor actor secundario (Montgomery Clift), mejor actriz secundaria (Judy Garland), mejor montaje, mejor dirección artística, mejor fotografía y mejor diseño de vestuario.

Fue también recompensada con el David di Donatello a la mejor producción extranjera, al mejor actor extranjero (Spencer Tracy) y con un premio especial para Marlene Dietrich.

Y en los Globos de Oro obtuvo el premio al mejor director y al mejor actor (Maximilian Schell), siendo también nominada a la mejor película, mejor actor secundario (Montgomery Clift) y mejor actriz secundaria (Judy Garland).

Muchos de los actores de este magistral reparto quisieron intervenir en la película cobrando un salario mucho más bajo de lo habitual, conscientes de su participación en esta trascendental historia.

Y no les faltaba razón. “Vencedores o vencidos” es hoy uno de los más imprescindibles títulos de la historia del Séptimo Arte.

Dinero caído del cielo

2011-12-11T00:11:00.003+01:00

Durante la era de la depresión, en Chicago, Arthur Parker, un vendedor de partituras musicales casado con Joan, conoce en una tienda de música a Eileen, una maestra de escuela...

El 11 de Diciembre de 1981, hace hoy 30 años, se estrenaba en Los Ángeles (California) “Dinero caído del cielo” (Pennies from heaven), un extraordinario y genuino musical producido por Herbert Ross y Nora Kaye para la Metro Goldwyn-Mayer.

El guión de "Dinero caído del cielo", firmado por Dennis Potter, estaba basado en la homónima serie de televisión escrita por el propio Potter en 1978. Y el título original de la película hacía referencia a una canción, “Pennies from heaven”, maravilloso tema escrito en 1936 por Johnny Burke y Arthur Johnston e interpretado por Bing Crosby en la película de mismo nombre y año.

La impecable fotografía de Gordon Willis, que anteriormente nos había regalado las imágenes de “El Padrino”, “Todos los hombres del Presidente”, “Annie Hall”, “Manhattan” o “Recuerdos”, y la no menos excepcional dirección artística de Bernie Cutler y Fred Tuch, se unían a una exquisita banda sonora adaptada por Ralph Burns, Marvin Hamlisch y Billy May. Una auténtica delicia.

Y a una magistral dirección de Herbert Ross, cineasta americano que ya nos había dejado en la gran pantalla reconocidos títulos como “Adiós, Mr. Chips”, “Sueños de un seductor”, “Elemental, Dr. Freud”, “Paso decisivo”, “La chica del adiós”, “California Suite” o “Nijinsky”.

Rostro ya entonces conocido en su país a través de la pequeña pantalla, Steve Martin tan sólo había intervenido en tres películas cuando le ofrecieron dar vida a Arthur Parker, primer papel dramático al que se enfrentaba, por otro lado, el actor.

Steve conocía la serie original, a la que había catalogado como lo mejor que había visto nunca, y aceptó al momento. Martin eligió este personaje dejando libre su otra oferta paralela: el Indiana Jones de “En busca del arca perdida”. Sí, en el cine también hay ángeles de la guarda...

Bernadette Peters procedía asimismo de la televisión, aunque llevaba ya más títulos cinematográficos que Martin. Peters nos ofreció una maravillosa recreación de Eileen, su personaje.

Al igual que hizo Jessica Harper con el suyo, Joan. Harper llevaba desde 1974 en la gran pantalla y había sido ya dirigida en dos ocasiones por Woody Allen.

“Yo quiero vivir en un mundo donde las canciones sean reales”

Y yo, Arthur, y yo. Las canciones, y los bailes que traen consigo, son personajes de lujo en “Dinero caído del cielo”.

Inolvidables melodías como “The glory of love”, escrita en 1936 por Billy Hill y representada en la película por los dos actores protagonistas. O como “Did you ever see a dream walking”, escrita en 1933 por Harry Revel y Mack Gordon y cantada por el mismísimo Bing Crosby.

O “Life is just a bowl of cherries”, escrita en 1931 por Ray Henderson, Buddy G. DeSylva y Lew Brown, interpretada por Walter S. Harrah, Gene Merlino, Vern Rowe, Robert Tebow y Al Vescovo y representada aquí por Bernadette Peters, Steve Martin y Jessica Harper.

O “Let’s face the music and dance”, precioso tema compuesto en 1936 por Irving Berlin para que lo bailaran Fred Astaire y Ginger Rogers en "Sigamos la flota" que recrean maravillosamente aquí Steve Martin y Bernadette Peters.

Y es que “Dinero caído del cielo” también nos regala excelentes escenas de baile. Como la que nos ofrecen el propio Steve Martin, Robert Fitch y Tommy Rall (inolvidable Flo de “Siete novias para siete hermanos”) al son de “It’s the girl”, canción compuesta en 1931 por Abel Baer y Dave Oppenheim e interpretada aquí por The Boswell Sisters and The Dorsey Brothers Orchestra.

O la que nos brindan Bernadette Peters y los fabulosos niños de su escuela a través de “Love is good for anything that ails you”, tema escrito en 1937 por Cliff Friend y Matty Malneck e interpretado por Phyllis Robins con el fondo de Orlando and his orchestra.

La excelente coreografía de “Dinero caido del cielo” era creada por Danny Daniels, bailarín americano de musicales de Broadway de los años 40, como “Street Scene” o “Kiss me, Kate”, que continúo su andadura durante la posterior década, paseándose también por el cine y la televisión. Daniels obtuvo un Tony Award y un Astaire Award en 1984 por “The Tap Dance Kid” y recibió tres nominaciones más a los Premios Tony.

“Danny Daniels fue mi profesor de tap dancing en el colegio, yo tenía doce años... Y él le dijo a Herb Ross ‘¿Sabes que Christopher Walken sabe bailar tap dance?’”

Christopher Walken llevaba en la gran pantalla desde 1969 y ya le habíamos admirado en “Próxima parada, Greenwich Village”. “Annie Hall”, “El cazador”, “La puerta del cielo” o “Los perros de la guerra”.

“Considero “Dinero caído del cielo” como un punto importante en mi carrera. Estoy muy contento de haberla hecho porque fue el último musical de la MGM. Bailé en el mismo suelo que Fred Astaire, Gene Kelly, Donald O’Connor...”

Walken aparece en “Dinero caído del cielo” en una única pero excepcional escena de baile a ritmo, nada menos, que de Cole Porter y su “Let’s misbehave”, canción escrita por el genial compositor en 1927 e interpretada por Irving Aaronson and his commanders.

Este exquisito número musical llevó dos meses de ensayo y dos días de rodaje. El actor afirmaría más adelante que fue muy elogiado por los seguidores de Fred Astaire y Gene Kelly. Muy grande Walken, muy grande.

Y también dejaba su huella en la película Vernel Bagneris, dramaturgo, actor, director, cantante y bailarín nacido en Nueva Orleans (Louisiana) que interpretaba en “Dinero caído del cielo” a un mágico personaje unido a un acordeón.

Bagneris nos regala el maravilloso número musical que da nombre a la película, “Pennies from heaven”. Pura magia.

“Dinero caído del cielo” fue nominada al Oscar al mejor guión adaptado, mejor diseño de vestuario y mejor sonido, aunque no se hizo con ninguna de las tres estatuillas.

Entre otros premios y nominaciones, recibió el Globo de Oro a la mejor actriz (Bernadette Peters), siendo nominada también como mejor película y como mejor actor (Steve Martin).

Al menos cuatro famosos cuadros fueron recreados como “pinturas vivientes” en la película. “Nighthawks” y “New York Movie”, ambos de Edward Hopper, y “Hudson Bay fur company” y “Twenty cent movie” de Reginald Marsh.

Ah, y los peniques que llovían del cielo eran en realidad lentejuelas de ese mismo tamaño, que siguieron apareciendo por las esquinas de las calles de los estudios MGM durante casi un año después de finalizado el rodaje.

“Siempre pasa lo mismo… Sales del cine y el mundo sigue igual”

(Arthur Parker)

Un mago llamado Méliès

2011-12-08T00:26:00.006+01:00

Érase una vez un mago, un ilusionista, en el más amplio sentido imaginable, que se interesó por un nuevo y maravilloso invento, entonces incipiente, llamado cinematógrafo…

El 8 de Diciembre de 1861, hace hoy ya 150 años, nacía en París George Méliès, un hombre y un nombre fundamental en la historia del cine.

En 1888, Marie George Jean Méliès abandonaba la fábrica de zapatos de su padre para poner en escena espectáculos de prestidigitación e ilusionismo en el Teatro Robert-Houdin de París que acababa de adquirir en propiedad.

Y en 1895 formaba parte del público que asistía a la primera exhibición cinematográfica de los hermanos Lumière. Maravillado con lo que vio, Méliès empezó a introducirse en este nuevo y fascinante mundo comprándole un proyector al ingeniero eléctrico y científico Robert W. Paul y haciéndose construir su propia cámara cinematográfica siguiendo el mismo modelo mecánico del proyector.

Le manoir du diable (1896)

“Un petit diable”, “Une partie de cartes”, “Sortie des ateliera Vibert”, “Les tribulations d’un concierge”, “Le fakir, mystère indien”, “Vision d’ivrogne”, “Le malade imaginaire”, “Danseuses au jardin de Paris”, “Rêve d’artiste”, “Montagnes russes nautiques”…

También se construyó Méliès sus propios estudios en los alrededores de París (primeros estudios de cine que hubo en Europa), volcándose así en la producción y dirección de películas cinematográficas.

L'auberge ensorcelée (1897)

A diferencia de los hermanos Lumière, George Méliès no veía el cine tan sólo como un simple documento de la vida real sino también como un vehículo de evasión del espectador.

La Lune à un mètre (1898)

Sus primeras películas, como las de los Lumière, eran simples escenas de la vida real. Más adelante, empezó a filmarse a sí mismo haciendo trucos de magia, llegando a rodar también reconstrucciones de eventos o noticias reales y tomando como inspiración de algunas de sus películas las pantomimas y ballets de los teatros de Londres o las obras de ciencia ficción de Julio Verne.

Cendrillon (1899)

… “Magie diabolique”, “La luna a un metro”, “Un bon lit”, “La columna de fuego”, “Cléopâtre”, “Vieux Paris”, “L’homme orchestre”, “Le livre magique”, “Jeanne D’Arc”, “L’école infernale”…

L'homme orchestre (1900)

“El alquimista de la luz”

(Charles Chaplin)

Méliès también está considerado como el inventor de numerosos trucos y técnicas cinematográficas: movimiento congelado, sobreimpresiones, exposiciones múltiples…

Le chapeau à surprises (1901)

Mientras filmaba una de sus escenas en la Place de l’Opéra de París, su cámara se atascó. Empleó apenas un minuto en solucionar el problema y continuó rodando. Cuando el film fue proyectado, pudo ver cómo un autobús se convertía de repente en un coche fúnebre y cómo aparecía o desaparecía la gente de la escena.

Este incidente le llevó a experimentar con el uso de la parada de la cámara para conseguir un efecto especial, efecto que había sido ya anteriormente utilizado por Edison, pero que Méliès difundió extensamente a través de sus múltiples cortometrajes.

Le voyage dans la lune (1902)

… “La libellule”, “L’homme mouche”, “Viaje a la luna”, “Spiritisme abracadabrant”, “La lanterne magique”, “Les costumes animés”, “La sirène”, “Les apaches”, “Le diable noir”, “Le maestro Do-mi-sol-do”, “The story of Eggs”…

Méliès fue también el primero en utilizar storyboards (guiones gráficos) para sus historias y en mostrar sketches (escenas cómicas) en la gran pantalla muda.

“Le debo todo”

(D.W. Griffith)

Le mélomane (1903)

En 1913, ante la imposiblidad de competir comercialmente con las grandes productoras nacidas pocos años atrás, George Méliès se retiró del mundo del cine.

Le diable noir (1905)

Un año más tarde, el cierre del Teatro Robert-Houdini, como consecuencia de la Primera Guerra Mundial, le llevó a la bancarrota.

En la década de los años 20, el movimiento surrealista francés trajo consigo el descubrimiento de la supervivencia de las películas de George Méliès, que se creían perdidas, y el reconocimiento de su gran contribución al arte e industria del cine.

L'éclipse du soleil en pleine lune (1907)

…“Hamlet”, “L’avare”, “His first job”, “Le papillon fantastique”, “El secreto del doctor”, “Las aventures de baron de Munchhausen”, “A la conquista del Polo”, “Le voyage de la familia Bourrichon”, “Le chevalier des beiges”

George Méliès dirigió, entre 1896 y 1913, un total de 552 cortos, apareciendo en muchos de ellos también como productor, actor, guionista, operador, decorador y montador.

El 21 de Enero de 1938 nos dejaba en París una de las figuras más imprescindibles del Séptimo Arte. Su imperecedera huella permanece en el Père Lachaise cemetery de París.

Gracias de todo corazón, gran mago Méliès, en mi nombre y en el de la historia del cine. Por aportarle al entonces sólo sueño cinematográfico la ilusión y magia necesarias para convertirlo en realidad.

NINO ROTA

2011-12-03T00:17:00.000+01:00

Hoy conmemoramos en La Gran Pantalla el centenario del nacimiento de Nino Rota, uno de los más grandes compositores de la historia.

Y lo hacemos a través de su más que interesante biografía y, como cabe esperar aquí, a través también de su magistral legado cinematográfico.

Música, maestro…

El Padrino

Giovanni Rota Rinaldi nació en Milán el 3 de Diciembre de 1911. Nieto del pianista y compositor Giovanni Rinaldi, comenzó sus estudios de piano a la temprana edad de ocho años, ingresando a los doce en el Conservatorio de Milán.

La Strada

A los once años ya había compuesto un oratorio y a los trece una comedia lírica en tres actos, “Il Principe porcaro”. Posteriormente estudió composición en la Academia di Santa Cecilia en Roma, graduándose en 1930.

Rocco y sus hermanos

Tras trasladarse en 1931 a Estados Unidos, ingresó en el Curtis Institute of Music de Filadelfia donde estudió composición con Rosario Scalero, gran virtuosa del violín, historia con Beck y dirección de orquesta con Fritz Reiner.

Giuletta de los espíritus

Regresó entonces a Italia, licenciándose en la Universidad de Milán e impartiendo más adelante clases de teoría y solfeo en la escuela de música Taranto.

A pleno sol

A partir de 1939 ejerció como profesor de armonía, y más tarde de composición, en el Bari Liceo Musicale, pasando en 1950 a ser su director y ocupando este cargo durante 28 años.

Las noches de Cabiria

Muy tristemente, el 10 de Abril de 1979, nos dejaba a los 67 años de edad uno de los más grandes artistas del panorama musical.

La gran guerra

Nino Rota cultivó todos los géneros con gran maestría técnica, alcanzando un particular éxito con sus óperas “Il cappello di paglia di Firenze” (1946) y “La visita maravigliosa” (1970), y con sus sonetos “Mysterium Catholicum” (1962) y “La vita de María” (1970).

Guerra y paz

“Ana”, “Peppino e Violetta”, “Noches blancas”, “Fantasmas de Roma”, “La mujer indomable”, “Waterloo”, “Abdicación”, “El Padrino II”, “Muerte en el Nilo”…

También página fundamental de la historia del cine, Rota compuso para directores del calibre de Alberto Lattuada, Eduardo de Filippo, Renato Castellani, King Vidor, Luigi Zampa, Luigi Comencini, Luchino Visconti, Mario Monicelli, René Clément, Franco Zeffirelli, Francis Ford Coppola…

Fellini 8 1/2

La dolce vita

“El jeque blanco”, “Los inútiles”, “La Strada”, “La dolce vita”, “Las noches de Cabiria”, “Bocaccio ‘70”, “Fellini 8 1/2”, “Giuletta de los espíritus”, “Fellini Satiricon”, “Roma”, “Amarcord”, “El Casanova de Fellini”, “Ensayo de orquesta”…

Y, por supuesto, Rota también compuso para Federico Fellini, formando con el genial director italiano una de las más perfectas combinaciones para la gran pantalla que se prolongaría durante un cuarto de siglo.

La magistral trayectoria cinematográfica de Nino Rota fue tan sólo reconocida en los Premios de la Academia con un Oscar por su banda sonora de “El Padrino II” (1974), galardón que fue además compartido con Carmine Coppola. Rota también fue nominado dos años atrás por “El Padrino”.

Romeo y Julieta

Los británicos Premios Bafta le otorgaron el Anthony Asquith Award for Film Music por “El Padrino” (1972), nominando también al compositor por “Romeo y Julieta” (1968) y “El Padrino II” (1974).

En los Globos de Oro fue galardonado por “El Padrino” (1972) y tan sólo nominado por “Romeo y Julieta” (1968) y “El Padrino II” (1974).

El Casanova de Fellini

Rota fue también distinguido con un David di Donatello por “El Casanova de Fellini” (1976) y con un Premio Grammy por “El Padrino” (1972), recibiendo también otra nominación a este último galardón por “La dolce vita” (1960).

Asimismo, obtuvo un total de cinco Silver Ribbon del Italian Nacional Syndicate of Film Journalist por su trabajo en “Guerra y paz” (1958), “Noches blancas” (1958), “Fellini 8 1/2” (1963), “Romeo y Julieta” (1968) y “Ensayo de orquesta” (1979), y una nominación por “La dolce vita” (1960).

El Gatopardo

Nino Rota nos ha legado, entre cine y televisión, un total de 172 trabajos, así como un sinfín de impecables composiciones clásicas. Puro arte musical.

Amarcord

Y puro cine por partida doble. Pues, en multitud de ocasiones, cuando oímos a Nino Rota estamos recordando también a Federico Fellini.

Grazie mille, maestro Rota.